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#NoOscarFest9: 'Esto va a doler', de Christos Nikou

- 20/04/24 No hay comentarios


Christos Nikou sorprendió en 2020 con una insólita ópera prima ('Apples'), que fue amadrinada por Cate Blanchett tras su estreno en el Festival de Venecia y representó a Grecia en la lucha por el Oscar a la mejor película internacional. Las comparaciones con su compatriota Yorgos Lanthimos fueron inevitables (no en vano, su primer crédito en el cine fue como ayudante de dirección en 'Canino') y lo han seguido siendo en su segunda película, aunque su visión del amor sea mucho más optimista que la que ofreció su mentor en 'Langosta'. 'Esto va a doler' dividió a la crítica en sus primeros pases en Toronto y Telluride pero recibió algo más de amor en el Festival de San Sebastián, donde se convirtió en un rayo de luz dentro de una oscura Sección Oficial y se acabó haciendo convirtiendo en la favorita de la prensa internacional al hacerse con el Premio FIPRESCI.

En su estreno en Hollywood, Nikou ha construido una película híbrida que en su puesta en escena (y también en su 'tempo' narrativo) remite al cine de autor, pero con un guion divertido que la introduce de lleno dentro de un género que no suele dar muchas alegrías: la comedia romántica. De esta manera, la película se convierte en un festín para cualquier fan de las 'rom-coms' capaz de apreciar las continuas referencias que hace el guion a los grandes clásicos del género (la mención a Hugh Grant es tronchante). Por supuesto, uno de los mayores reclamos de la cinta es su atractivo reparto: Jessie Buckley (una habitual del #NoOscarFest) y Riz Ahmed forman una pareja encantadora, mientras que Jeremy Allen White (que este año también participa en el festival con 'El clan de hierro') completa el triángulo. Aunque 'Cualquiera menos tú' vaya a pasar a la historia como la comedia romántica más popular de 2023, 'Esto va a doler' fue la película que más se esforzó por dar un soplo de aire fresco al género.

Sinopsis

Anna (Jessie Buckley) comienza a trabajar en el Instituto del Amor, el lugar al que acuden las parejas para realizarse una prueba científica que les diga si realmente están enamoradas. Aunque su resultado fue positivo, Anna no es feliz junto a su novio (Jeremy Allen White) y su vida se complicará aún más cuando comience a sentirse atraída por su nuevo compañero de trabajo (Riz Ahmed).


Críticas

Violeta Kovacsics (Otros Cines): "'Esto va a doler' consigue indagar en los ambages de la comedia romántica para retratar el amor desde una suerte de cotidianidad. Se arma de paciencia a la hora de revelar ese proceso a partir de miradas, de momentos anodinos, de sensaciones minúsculas que se evidencian gracias a un director que sabe no entorpecer la puesta en escena y buscar la sutileza. Sin efectismos, la película nos hace testigos de uno de los procesos más bellos que pueda haber: el del enamoramiento, con todas sus emociones pero también con sus angustias. Christos Nikou confía plenamente en sus actores para abordar todo esto, Riz Ahmed y Jessie Buckley. Es sobre todo esta última, de sonrisa amplia y a veces extraña, quien sostiene la película y sus matices. (...) El director de 'Apples' (sobre una pandemia de amnésicos) no se ha alejado tanto de aquel cine griego que pone en jaque la construcción social a menudo a través de la creación de universos alternativos y de un distanciamiento en la puesta en escena. Ese otro mundo posible está en 'Esto va a doler', situada en un tiempo aparentemente pasado, pero con esa máquina del amor más propia del futuro. Hay algo de aquel cine griego aquí, pero también y mucho del cine independiente americano y de la comedia romántica. Y es ahí, en la subversión de los códigos del género, que 'Esto va a doler' encuentra su lugar y revela el enamoramiento desde la pausa a la vez que ofrece una mirada crítica sobre la dependencia de la tecnología".

Enric Albero (El Cultural): "Por más que la lectura propuesta por Nikou no pretenda socavar las claves del subgénero, ni siquiera proponer un desarrollo alternativo a una historia en el fondo convencional, es imposible negarle a esta película una calidez -la misma que transmiten los tonos otoñales de la fotografía de Marcell Rév- que acuna la mirada, balanceándola ahora hacía el humor ágil, ahora hacia el drama tierno (...) Apoyada en un casting soberbio – a las comedias románticas uno va a enamorarse y aquí se enamora de Jessie Buckley, de Riz Ahmed y hasta de un cortaúñas – al filme de Nikou no le faltan apuntes estéticos que lo elevan por encima de lo que acostumbra el género. Desde la presentación de Anna y Ryan (Jeremy Allen White), separados por un tabique que señala una relación condenada (las imágenes contradiciendo al algoritmo) hasta la secuencia en el coche de Amir (Ahmed), en la que él y Anna cruzan sus cuerpos para solventar la extraña situación en la que se encuentran y que supone la evidencia física de su compatibilidad y de su disposición para el intercambio físico. Quizá a alguno le extrañe que una propuesta agradable y de perfil popular (y comercial) esté en la Sección Oficial de un festival de clase A, pero si uno atiende a una cartelera en la que el cine de entretenimiento se reduce a los blockbusters superheroicos y a las inocuas comedias familiares no le será difícil adivinar que los certámenes se han convertido, también, en el único lugar para exhibir en una sala títulos como 'Esto va a doler'".

Paula Arantzazu Ruiz (Cinemanía): "En 'Esto te va a doler' nos encontramos en algún momento de mediados de los 90, pero la moqueta y la madera que decoran las casas y las oficinas podrían retrotraernos a mucho antes, cuando el sueño de los 'smartphone' era apenas un esbozo. Estas coordenadas le sirven a Nikos para situar una anti 'rom-com' en la que existe una tecnología pedestre (nunca mejor dicho) para averiguar si una pareja está de verdad enamorada: mediante un estudio físico-químico, las uñas de las manos permiten conocer si tu pasión está al mismo nivel que la de tu pareja. La neurosis por esta prueba ha provocado que todo el mundo confíe únicamente en este test para conocer el estado de su enamoramiento, provocando, con ello, una brecha aún más grande en las relaciones interpersonales (...) Con un tono tragicómico, asentado en un diseño de producción medido y con no pocos guiños de carácter cómico, además de en la química entre sus protagonistas, Nikou logra una comedia romántica inusual, seductora y que, como las más paradigmáticas obras del género, se interroga sobre los dilemas clave del sentimiento amoroso: ¿qué es el amor: el enamoramiento, el cariño, la pasión o la estabilidad? La película no ofrece respuestas y seguiremos dando vueltas sobre ello hasta el fin de nuestros días, pero ojalá no tengamos que recurrir a nuestras uñas, como aquí sucede, para dar de una vez con la respuesta.".


For Your Consideration


Mejor Película, Mejor Dirección (Christos Nikou), Mejor Actor (Riz Ahmed), Mejor Actriz (Jessie Buckley), Mejor Actor Secundario (Jeremy Allen White, Luke Wilson), Mejor Guion (Christos Nikou, Sam Steiner y Stavros Raptis), Mejor Fotografía (Marcel Rév), Mejor Montaje (Yorgos Zafeiris), Mejor Música (Christopher Stracey), Mejor Reparto.

LSN Premium 42 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: El retorno del rey' (Pt. 2)

- 19/04/24 No hay comentarios

Nuevo podcast premium de LA SEXTA NOMINADA. Seguimos con nuestros análisis de los MTV Movie Awards con la segunda y última parte del repaso a la edición celebrada en 2004, cuando 'El señor de los anillos: El retorno del rey' completó tú triple victoria en los premios del pueblo, siguiendo los pasos de 'Titanic' y 'Gladiator', las dos únicas películas que habían ganado el Oscar y el MTV a la Mejor Película hasta entonces. En esta ocasión hablamos de películas como 'Kill Bill. Vol 1' (ganadora de tres premios, Mejor Actriz, Mejor Villana y Mejor Escena de Acción), 'La pasión de Cristo', 'El último samurai', 'Gothika', 'Monster' y muchas más. También de Candela Peña, no os vamos a engañar. No te pierdas el nuevo capítulo de La Sexta Nominada con Juan Sanguino Dani Mantilla

   



La Sexta Nominada - Especiales Premium 

LSN Premium 42 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: El retorno del rey' (parte 2)

LSN Premium 41 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: El retorno del rey' (parte 1)

LSN Premium 40 - Análisis especial de 'Desconocidos' con Javier Pérez Martín

LSN Premium 39 - 'Cualquiera menos tú' y la comedia romántica moderna

LSN Premium 38 - Análisis de 'Los que se quedan'

LSN Premium 37 - Análisis de 'Pobres criaturas'

LSN Premium 36 - Análisis de 'Maestro'

LSN Premium 35 - Análisis de 'La sociedad de la nieve'

LSN Premium 34 - Análisis de 'Saltburn' con Isabel Vázquez

LSN Premium 33 - El estado de la carrera al Oscar y los protagonistas de la temporada.

LSN Premium 32 - Análisis de 'El asesino'

LSN Premium 31 - Análisis de 'Vidas pasadas'

LSN Premium 30 - Especial de 'El cuerpo en llamas'

LSN Premium 29 - Especial Análisis de 'Los asesinos de la luna'

LSN Premium 28 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: Las dos torres' (parte 2)

LSN Premium 27 - MTV Movie Awards 2003: 'ESDLA: Las dos torres' (parte 1)

LSN Premium 26 - MTV Movie Awards 2002: La comunidad del anillo (parte 2)

LSN Premium 25 - MTV Movie Awards 2002 - 'ESDLA: La comunidad del anillo' (parte 1)

LSN Premium 24 - MTV Movie Awards 2001 - 'Gladiator' (parte 2)

LSN Premium 23 - MTV Movie Awards 2001 - 'Gladiator' (parte 1)

LSN Premium 22 - Especial Análisis de 'Oppenheimer' con Carles Cuevas

#NoOscarFest9: 'Air', de Ben Affleck

- 18/04/24 1 Comentario



Aunque su ausencia en la categoría de Mejor Dirección en 2013 sigue siendo una de las mayores sorpresas de los Oscar en este siglo, Ben Affleck tiene pocos motivos para quejarse del trato que ha recibido por parte de la Academia. Antes de cumplir los 30, ya había ganado el Oscar como guionista (por 'El indomable Will Hunting') y por su tercera película como director ('Argo') ganó el premio en calidad de productor. En cambio, su siguiente película, 'Vivir de noche' (2016), no sólo fue ignorada por los Oscar sino que no contó con el favor de la crítica. Tal vez ese fuera el motivo por el que ha tardado siete años en volver a ponerse detrás de las cámaras, una época que le ha servido para reivindicarse como actor gracias a trabajos como 'The Way Back' o 'El bar de las grandes esperanzas' y para volver a ejercer como guionista en 'El último duelo'.


En el guion escrito por el debutante Alex Convery (sacado de la famosa 'blacklist' de Hollywood), Ben Affleck encontró la oportunidad perfecta para contar una historia muy americana sin abandonar el género en el que siempre suele moverse: el 'thriller'. El director cede el protagonismo en 'Air' a un divertido Matt Damon pero se reserva un excéntrico papel como Phil Knight, el director ejecutivo de Nike. Entre los secundarios también destacan Viola Davis como la testaruda madre de Michael Jordan (una elección de casting realizada por el propio ex jugador) y Chris Messina como su verborreico agente. Estrenada hace un año en Estados Unidos, la película llegó algo desgastada a la temporada de premios, aunque acabó logrando dos candidaturas a los Globos de Oro (Mejor Comedia y Mejor Actor de Comedia), tres en los Critics Choice (incluyendo Mejor Reparto) y fue nominada tanto por el sindicato de guionistas como por el de editores. 


Sinopsis

En 1984, Nike está a punto de cerrar su división de zapatillas de baloncesto debido a las bajas ventas. Como respuesta a esto, los directivos de la empresa encargan al cazatalentos Sonny Vaccaro (Matt Damon) que encuentre a un jugador que sirva como reclamo para vender zapatillas. Vaccaro pone sus ojos en Michael Jordan, el número 3 del draft, pero llegar hasta él y convencer a su familia no va a ser una tarea fácil.

Críticas

Luis Martínez (El Mundo): "El buen director (mucho mejor que actor) que es Ben Affleck decide así inaugurar un nuevo género de thriller saltarín melodramático a medio camino entre la podología y la arqueología foucaultiana. De la rama de la medicina que estudia los problemas asociados a los pinreles, Air toma el gusto por el fundamento. Lo importante, al fin y al cabo, es una buena base o, de otro modo, lo que cuenta es el gusto aquilatado que demuestra la película por el suspense venga de donde venga, aunque sea de una fascitis plantar. Y de la afición del filósofo francés post estructuralista por el estudio de lo supuestamente irrelevante, la cinta protagonizada con soltura y mucho nervio por Matt Damon se apropia de la voluntad de sorpresa. ¿Quién habría imaginado que unas simples zapatillas llegarían ellas solas tan lejos? En efecto, la película cuenta la historia del calzado deportivo conocido como Air Jordan (...) Y esto, que así dicho da todo lo más para un documental triste en Netflix, adquiere de repente la virtud de los tres puntos desde mucho más allá del perímetro de precisamente los tres puntos, que dirían los locutores entregados. Y eso es así, porque todo cuadra. Es así merced a un guión medido, unas interpretaciones agónicas (mención especial para una Viola Davis descomunal en la piel de la madre tozuda del encestador) y un sentido del humor perfectamente compenetrado con la épica industrial".

Manu Yáñez (Fotogramas): "Podría parecerlo pero 'Air' no es una película de Scorsese. Como hiciera el maestro neoyorquino en 'Casino' (1995), a Ben Affleck le interesa diseccionar el albor de la América corporativa, con sus luces y sombras, su inocencia primeriza y sus egos desatados. Además, Affleck intenta prendarse del sexto sentido de Scorsese para hacer saltar la banca cinematográfica con envites pop. Y lo consigue en pasajes para enmarcar, como cuando Damon y el propio Affleck recrean el nacimiento del sello Air Jordan al son del sintetizador con el que Pino Donaggio erotizó las imágenes de 'Doble cuerpo' (1984) de Brian De Palma. 'Air' es un film que debe degustarse bajo el signo de lo anacrónico. En la era de la acción paroxística (la de Marvel, pero también la de 'Top Gun: Maverick') y la pirotecnia pixelada ('Avatar', pero también 'Stranger Things'), la dupla Affleck-Damon prosigue aquí su apuesta por lo predigital, que inauguraron con el guion de la muy reivindicable 'El último duelo' (Ridley Scott, 2021). En 'Air', Affleck convierte los chispeantes diálogos entre su troupe de self-made men en verdaderos efectos especiales, como hiciera David Fincher en 'La red social' (2010) o Alan J. Pakula en sus thrillers de la década de 1970. Es evidente que Affleck solo consigue otear desde la distancia la gloria fílmica de sus nobles referentes, pero el intento bien merece unas tiradas en la máquina del Jackpot".

Javier Ocaña (El País): "'Air', titulada así en honor al nombre de aquellas míticas zapatillas asociadas al poder de subversión, tiene un tono elegíaco muy especial casi más cercano a la comedia que al drama. En la línea de otra estupenda película popular en torno al deporte y al dinero como 'Jerry Maguire', y quizá ambicionando la calidad y los entresijos de otro relato ajeno en la imagen a los campos y a la bola, a las carreras y a los puntos, y más centrado en los despachos, en las decisiones y, sobre todo, en la inteligencia para saber escrutar lo inescrutable, dónde reside el genio deportivo: 'Moneyball', una de las mejores obras de la historia del cine deportivo, portentosa altura que no alcanza 'Air' (...) Al trabajo de Affleck, tan divertido como en 'Argo', quizá le falte un punto de profundidad para llegar a convertirse en la gran película que podría haber sido con un poco más de ambición y de estilo, pero el poder del director como excelente narrador, ya demostrado en 'Adiós, pequeña, adiós' y 'The Town', provoca que no le falte nada para ser un documento interesantísimo alrededor de las historias del deporte, de las finanzas, del marketing y de la publicidad, y un divertimento para gozar, reír y rememorar".


For Your Consideration


Mejor Película, Mejor Dirección (Ben Affleck), Mejor Actor (Matt Damon), Mejor Actor Secundario (Ben Affleck, Chris Messina, Jason Bateman, Chris Tucker), Mejor Actriz Secundaria (Viola Davis), Mejor Guion (Alex Convery), Mejor Fotografía (Robert Richardson), Mejor Montaje (William Goldenberg), Mejor Música (Alexandre Desplat), Mejor Reparto.

#NoOscarFest9: '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret', de Kelly Fremon Craig

- 16/04/24 1 Comentario



Siete años después de su celebrada ópera prima 'Al filo de los diecisiete' (antecesora clara de títulos como 'Lady Bird' o 'Eighth Grade'), Kelly Fremon Craig volvió a ponerse detrás de las cámaras con un nuevo 'coming-of-age' que la ha confirmado como una verdadera experta en esta materia. '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret' es la adaptación de la revolucionaria novela de Judy Blum que en 1970 rompió moldes por la forma en la que abordó un tema que por aquel entonces era tan tabú como la menstruación. Como ya hiciera con su primera película, Fremon volvió a conquistar a la crítica norteamericana y acumuló más de 100 candidaturas en la temporada de premios, principalmente en las categorías de Mejor Guion Adaptado (incluso fue nominada por el gremio de guionistas) y Mejor Actriz Secundaria.


Abby Ryder Forston, actriz joven pero muy experimentada (era la hija de Paul Rudd en las dos primeras entregas de 'Ant-Man'), está alucinante en la piel de una niña en continuo estado de confusión mientras que una adorable Rachel McAdams da vida a la madre comprensiva que todas las niñas querrían tener. Con sus cinco victorias en los premios de la crítica, McAdams se convirtió en la segunda actriz secundaria más galardonada de la carrera (solamente superada por la inalcanzable Da'Vine Joy Randolph), aunque no pudo hacerse hueco en ninguno de los principales precursores de los Oscar. Por muy apreciada que fuera la película en Estados Unidos, su lanzamiento directo a plataformas en España ha hecho que pase mucho más desapercibida de lo que merece. Esperamos que su inclusión en el #NoOscarFest9 ayude a que más gente la descubra.


Sinopsis

Cuando su familia se muda desde Nueva York hasta los suburbios de Nueva Jersey, una niña de 11 años (Abby Ryder Fortson), deberá esforzarse por hacer nuevos amigos mientras se enfrenta a nuevos sentimientos y al comienzo de su adolescencia.


Críticas

Kristen Lopez (The Wrap): "Kelly Fremon Craig no es ajena a las mujeres jóvenes en un estado de transición, ya que dirigió la igualmente maravillosa 'Al filo de los diecisiete'. Su versión de '¿Estás ahí, Dios?' está llena de corazón y no tiene miedo de hablar sobre todos los temas que hicieron que la novela de Blume fuera tan controvertida. A veces, la característica es discordante por lo abierta que habla de los periodos, los sujetadores y el deseo de las preadolescentes de crecer demasiado rápido. Al mismo tiempo, es una película tan dulce y sencilla sobre la vida que lleva su corazón nostálgico en la manga (...) A pesar de todas las pesadas cosas de la adolescencia que soporta Margaret, el guion de Craig nunca se sumerge en las luchas de la pubertad. Siempre hay un giro humorístico en las cosas, ya sea cuando Margaret y sus amigas miran copias de la revista Playboy y hacen ejercicios para mejorar el busto o las interacciones de Margaret con su abuela (Kathy Bates). Bates, en particular, está en buena forma aquí con ingeniosos comentarios y una relación fantástica con Fortson. En un panorama con pocas películas para familias, y aún menos para niñas preadolescentes, '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret' es una entrada fantástica. Sincera, compasiva, divertida y franca, tiene los ingredientes para convertirse en un nuevo clásico del canon cinematográfico".

Kate Erbland (Indiewire): "Judy Blume nunca hablaba con desdén ni con niños ni con adultos, y ese es el espíritu que impulsa a Kelly Fremon Craig en '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret'. Es una adaptación a la que Blume se resistió durante mucho tiempo, al menos antes de que la cineasta de 'Al filo de los diecistete' y su mentor y productor James L. Brooks le presentaran su idea, pero el libro se traslada maravillosamente a la pantalla grande con la misma rapidez, energía y buena humor de los libros de Blume (...) '¿Estás ahí Dios? Soy yo, Margaret' no es sólo la mejor adaptación de Blume disponible actualmente, sino que también es un clásico instantáneo del género sobre la mayoría de edad, una película cálida, ingeniosa e increíblemente inspiradora que ya es una de las mejores del año. Probablemente esto no sea una novedad para nadie que ame los libros de Blume o haya disfrutado del primer largometraje de Fremon Craig. (¡También es un clásico instantáneo, esta mujer es dos de dos!), pero eso no disminuye la alegría absoluta de este película (o la revelación de que, sí, una propiedad intelectual con décadas de antigüedad realmente puede producir obras maestras modernas)".

Peters Fletcher (The Daily Beast): "Le debe mucho al material original, pero la película no sería nada sin las impecables decisiones de reparto tomadas para sus estrellas principales. Bates, que sólo tiene unas pocas escenas, es un milagro y también un recordatorio de que todos deberían llamar a su abuela si tienen la oportunidad. McAdams aporta gracia e ingenio al papel de Barbara, que tiene su propia trama secundaria y luchas como integrante de la Asociación de Padres y Maestros. Todos los niños actores son formidables, pero Fortson sobresale de una manera que es difícil imaginar que cualquier otra actriz joven podría haber hecho. Ella es una fuerza a tener en cuenta y ahora siempre escucharé el título del libro leído en su voz. Con el humor inteligente de Secundaria de 'PEN15' y el peso emocional de 'Lady Bird', '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret' entra en el nivel de obras maestras sobre la mayoría de edad. Judy Blume tiene un historial de rechazar adaptaciones de Hollywood de su material; es bueno que haya sido exigente, porque ningún otro elenco podría haber logrado esta hazaña. Aún mejor: otra adaptación de su espectacular trabajo está en camino. Es lo que se merecen los fans de Blume".

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Kelly Fremon Craig), Mejor Actriz (Abby Ryder Fortson), Mejor Actor Secundario (Benny Safdie), Mejor Actriz Secundaria (Rachel McAdams, Kathy Bates, Elle Graham), Mejor Guion (Kelly Fremon Craig), Mejor Fotografía (Tim Ives), Mejor Montaje (Oona Flaherty y Nick Moore), Mejor Música (Hans Zimmer), Mejor Reparto.

Ganadores de los WGA Awards, los premios de los guionistas

- 15/04/24 No hay comentarios



- 'Los que se quedan' se lleva el premio al mejor guion original ante la ausencia de 'Anatomía de una caída' y pese a la acusación de plagio
- Los WGA Awards se retrasaron por culpa de la huelga de guionistas

MEJOR GUIÓN ORIGINAL 
Air, Written by Alex Convery; Amazon MGM Studios
Barbie, Written by Greta Gerwig & Noah Baumbach; Warner Bros. Pictures
The Holdovers, Written by David Hemingson; Focus Features
May December, Screenplay by Samy Burch, Story by Samy Burch & Alex Mechanik; Netflix
Past Lives, Written by Celine Song; A24

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
American Fiction, Screenplay by Cord Jefferson, Based upon the novel Erasure by Percival Everett; Amazon MGM Studios
Are You There God? It’s Me, Margaret., Screenplay by Kelly Fremon Craig, Based on the book by Judy Blume; Lionsgate
Killers Of The Flower Moon, Screenplay by Eric Roth and Martin Scorsese, Based on the book by David Grann; Apple Original Films
Nyad, Screenplay by Julia Cox, Based on the book Find A Way by Diana Nyad; Netflix
Oppenheimer, Screenplay by Christopher Nolan, Based on the book American Prometheus: The Triumph And Tragedy Of J. Robert Oppenheimer by Kai Bird and Martin J. Sherwin; Universal Pictures

MEJOR GUIÓN DE UN DOCUMENTAL
Bella!, Written by Jeff L. Lieberman; Re-Emerging Films
It Ain’t Over, Written by Sean Mullin; Sony Pictures Classics
The Pigeon Tunnel, Written by Errol Morris; Apple Original Films
Stamped from the Beginning, Written by David Teague, Based on the book Stamped From the Beginning by Dr. Ibram X. Kendi; Netflix
What The Hell Happened To Blood, Sweat & Tears?, Written by John Scheinfeld; Abramorama 

#NoOscarFest9: 'Asteroid City', de Wes Anderson

- 14/04/24 1 Comentario


Es curioso que en el mismo año en el que Wes Anderson ganó su primer Oscar (en la categoría de mejor corto de ficción gracias a 'La maravillosa historia de Henry Sugar'), el texano tuviera que ver cómo su último largometraje no era capaz de lograr ni una sola candidatura en los premios. Tampoco es que sea algo nuevo para él, ya que esta ha sido la sexta vez que la Academia ha decidido ignorar una de sus películas. Como ya ocurriera con 'La crónica francesa', 'Asteroid City' dividió a la crítica desde su puesta de largo en el Festival de Cannes. Aunque algunos no hayan sido capaces de ver en 'Asteroid City' algo más que un ejercicio de estilo vacío, la película también ha contado con un grupo de fans acérrimos que la han reivindicado como una de las mejores del año, entre ellos los que la han votado para que forme parte del #NoOscarFest9.


'Asteroid City' es algo así como la sublimación del particular estilo de Wes Anderson, que convierte el lugar ficticio del título (construido en la localidad madrileña de Chinchón) en su particular parque de atracciones. Se trata de una puesta en escena plenamente reconocible pero que, a la vez, consigue encontrar una personalidad propia gracias al particular tratamiento fotográfico de su mano derecha, el operador Robert  D. Yeoman. Como es habitual en las últimas obras de Anderson, la película está plagada de estrellas pero muy pocas tienen espacio para brillar. A los nombres habituales en su filmografía (comenzando por el hierático Jason Schwartzman), Anderson suma algunas incorporaciones valiosas como las de Tom Hanks y Scarlett Johansson (que ya había prestado su voz a un personaje de 'Isla de perros'). En definitiva, una película con todos los ingredientes necesarios para satisfacer a los fans del cineasta pero también para enervar a sus detractores.


Sinopsis

En 1955, colegiales y padres de todo Estados Unidos se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos que se lleva a cabo en Asteroid City, una ciudad en medio del desierto, pero la convención se verá interrumpida por un inesperado suceso.


Críticas

Luis Martínez (El Mundo): "Es de principio a fin una broma extremadamente barroca feliz en cada una de sus contradicciones. Por un lado, es un repaso por los grandes temas del autor pero de manera tan elíptica como concentrada. Que si la familia, que si la infancia como depositaria de lo único interesante (lo mejor), que si los planos grabados a fuego en la retina... Por otro, la localización en el desierto en los años 50 aporta una lectura social o política al cine del autor hasta ahora desconocida y que, de alguna manera, se refuta a sí mismo (...) La película en efecto desconcierta tanto como entusiasma, despista e intriga, libera toxinas a la vez que pone de muy mal humor. Habrá quien mantenga que es una más, que otra vez las simetrías, que de nuevo los diálogos que nada dicen, que para qué tanta broma sin gracia. No se fíen. Asteroid city resulta lo suficientemente compleja para tener en la simplicidad de una frase la clave de casi todo: "Si no sueñas, no podras despertarte". Es ficción de ficción, es Anderson de Anderson, es un punto de eclosión en una de las filmografías que mejor ha pintado el color de la emoción geométrica (sea esto último lo que sea). Bienvenidos al laberinto. Una maravilla, créanme".

Manu Yáñez (Fotogramas): "La película –una de las más bellas y seguramente la más absurda de la carrera de Anderson– transcurre entre dos territorios reconocibles y a la vez extrañísimos (...) Las dos mitades de 'Asteroid City' se toman la mano desde la distancia, con la parte en blanco y negro haciendo las veces de trastienda de la parte en color. Pero es en la trastienda, en las bambalinas, en las entrañas de la obra, donde Anderson le da significado al sinsentido. Observada a simple vista, la nueva película del creador de 'Los Tenenbaum' parece el mayor de los caprichos. Sin embargo, cuando el dramaturgo al que da vida Norton se encuentra con su familia de actores, ya resulta imposible no ver en 'Asteroid City' un emocionante autorretrato del compromiso de Anderson y sus actores con la creación escénica. De hecho, el visionado de 'Asteroid City' despertó en este crítico el recuerdo de las películas de Jacques Rivette o Matías Piñeiro, creadores de universos cerrados, muy teatrales, en los que la vida se mira en el espejo del arte. 'Asteroid City' tiene algo de ejercicio autocomplaciente. ¿Pero qué genio puede librarse de ese pecado?".

Desirée de Fez (El Periódico): "De una forma sofisticada y brillantísima, la película alterna dos planos. Por un lado, la retransmisión televisiva (en blanco y negro) del proceso de preparación y escritura de una obra de teatro. Por otro, en color, la representación de la obra en sí. O, mejor dicho, la puesta en escena, en una ciudad del desierto, de las ideas y las emociones que fluyen y chocan en la preparación de una obra y tienen tanto que ver con el texto como con la fragilidad de las partes implicadas (del autor del libreto a los actores que la interpretarán). En una oda hermosa a la ficción y a quienes la hacen, el cineasta convierte ese conflicto de egos, inseguridades y fogonazos de ingenio en un tapiz insólito de personajes y relaciones humanas (y no sólo humanas) ambientado en la ciudad de Asteroid City. Y allí hace su magia. En ese lugar está todo lo bueno de Anderson en un estadio más maduro, con ideas renovadas: una puesta en escena prodigiosa, un amor insólito en estos tiempos por la planificación rigurosa, el color y el detalle, un sentido del humor exquisito, una defensa del momento musical y la capacidad de seguir generando escenas e imágenes para el recuerdo".


For Your Consideration


Mejor Película, Mejor Dirección (Wes Anderson), Mejor Actor (Jason Schwartzman), Mejor Actor Secundario (Tom Hanks, Jake Ryan), Mejor Actriz Secundaria (Scarlett Johansson, Maya Hawke), Mejor Guion (Wes Anderson y Roman Coppola), Mejor Fotografía (Robert D. Yeoman), Mejor Montaje (Barney Pilling), Mejor Música (Alexandre Desplat), Mejor Reparto.

LSN Premium 41 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: El retorno del rey' (Pt. 1)

- 13/04/24 No hay comentarios



LA SEXTA NOMINADA vuelve después de un mes de parón. Los análisis en profundidad de 'Anatomía de una caída' y 'American Fiction' se publicarán próximamente, pero hoy recuperamos nuestros análisis de los MTV Movie Awards con la primera parte del repaso a la edición celebrada en 2004, cuando 'El señor de los anillos: El retorno del rey' completó tú triple victoria en los premios del pueblo, siguiendo los pasos de 'Titanic' y 'Gladiator', las dos únicas películas que habían ganado el Oscar y el MTV a la Mejor Película hasta entonces. Además, repasamos las otras integrantes del popular quinteto de aquella edición ('Buscando a Nemo', '50 primeras citas', 'Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra' y 'X-Men 2: X Men United') y el momento que atravesaba en la industria la presentadora de aquella edición, Lindsay Lohan. Todo eso y mucho más, por supuesto, como ya es costumbre en esta vuelta de tuerca a nuestros especiales históricos. No te pierdas el nuevo capítulo de La Sexta Nominada con Juan Sanguino y Dani Mantilla

   


La Sexta Nominada - Especiales Premium 

LSN Premium 41 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: El retorno del rey' (parte 1)

LSN Premium 40 - Análisis especial de 'Desconocidos' con Javier Pérez Martín

LSN Premium 39 - 'Cualquiera menos tú' y la comedia romántica moderna

LSN Premium 38 - Análisis de 'Los que se quedan'

LSN Premium 37 - Análisis de 'Pobres criaturas'

LSN Premium 36 - Análisis de 'Maestro'

LSN Premium 35 - Análisis de 'La sociedad de la nieve'

LSN Premium 34 - Análisis de 'Saltburn' con Isabel Vázquez

LSN Premium 33 - El estado de la carrera al Oscar y los protagonistas de la temporada.

LSN Premium 32 - Análisis de 'El asesino'

LSN Premium 31 - Análisis de 'Vidas pasadas'

LSN Premium 30 - Especial de 'El cuerpo en llamas'

LSN Premium 29 - Especial Análisis de 'Los asesinos de la luna'

LSN Premium 28 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: Las dos torres' (parte 2)

LSN Premium 27 - MTV Movie Awards 2003: 'ESDLA: Las dos torres' (parte 1)

LSN Premium 26 - MTV Movie Awards 2002: La comunidad del anillo (parte 2)

LSN Premium 25 - MTV Movie Awards 2002 - 'ESDLA: La comunidad del anillo' (parte 1)

LSN Premium 24 - MTV Movie Awards 2001 - 'Gladiator' (parte 2)

LSN Premium 23 - MTV Movie Awards 2001 - 'Gladiator' (parte 1)

LSN Premium 22 - Especial Análisis de 'Oppenheimer' con Carles Cuevas

 

#NoOscarFest9: 'Passages', de Ira Sachs

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Ira Sachs siempre ha sido considerado uno de los cineastas americanos más europeos así que tenía todo el sentido del mundo que acabara cruzando el charco. En 2019 estrenó 'Frankie', su primera producción francesa, y cuatro años más tarde ha llegado 'Passages', rodada en París y protagonizada por un elenco completamente europeo. Aunque el gran triángulo amoroso de 2023 fuese el de 'Vidas pasadas', el construido por Sachs en 'Passages' no se queda atrás en cuanto a atractivo y talento al reunir a tres excelentes intérpretes que todavía no saben lo que es ser nominado al Oscar: Franz Rogowski (actor fundamental del cine europeo reciente), Adèle Exarchopulos (la estrella del cine francés que lleva una década diciéndole no a Hollywood) y Ben Whishaw (que atraviesa el momento más dulce de su carrera).


'Passages' tuvo unas críticas excelentes desde su estreno mundial en el Festival de Sundance y acabó siendo celebrada como una de las mejores cintas independientes del año pasado (compitió en la categoría de mejor película tanto en los Spirit Awards como en los Gotham). Los reconocimientos más importantes logrados por la película recayeron en Franz Rogowski, que se llevó el premio al mejor actor tanto en la Crítica de Nueva York como en la de Florida por su encarnación de un hombre narcisista que pone en peligro la relación con su pareja cuando comienza a sentir una atracción irrefrenable hacia Adèle Exarchopoulos (¿quién puede culparle por ello?). 


Sinopsis

En el último del rodaje de una de sus películas, un director de cine llamado Tomas (Franz Rogowski) se acuesta con Agathe (Adèle Exarchopoulos), una chica que conoce en una discoteca. Tomas no tarda en confesárselo a su marido (Ben Whishaw), que no parece darle demasiada importancia. Sin embargo, cuando la relación evoluciona a algo más que un rollo de una noche, su matrimonio comenzará a resquebrajarse.

Críticas

Luis Martínez (El Mundo): "Rogowski es un director de cine que en el fragor de la noche conoce a una joven en una discoteca. Se acuestan. Cuando vuelve a casa, se lo cuenta a su pareja. No se trata de engañar a nadie sino, bien al contrario, de hacer partícipe al que amas de la gracia de un nuevo amor. En realidad, el propósito de Sachs no es otro que el de ser coherente tanto con sus personajes como con su historia y hasta consigo mismo. No hay motivo para desconfiar del amor (mucho menos del sexo) si precisamente solo gracias a él se accede al bien más preciado: la confianza mutua. Y así, aplicando la lógica de manera algo descabellada, el director se las arregla para componer un muy inteligente drama tan preciso a cada paso que da como cruel en cada certeza que discute. Es una película que desnuda la mirada del espectador hasta hacer sonrojar. La cámara persigue a los cuerpos y con ellos se eriza, se irrita, goza y se destruye. Queremos ser como los personajes cuando son felices y perfectos, y apenas alcanzamos a reconocernos en ellos cuando se exhiben zafios y vulgares. El resultado es una película tan libre como heterodoxa, tan brillante como incómoda. En definitiva, un tratado sobre el amor transformado en el más ácido y exquisito de los brebajes".

Desirée de Fez (El Periódico): "Ira Sachs es un cineasta magnífico que merece aún un mayor reconocimiento del que tiene. Su cine está lleno de virtudes, pero una de ellas es, sin duda, su capacidad para mostrar con una mezcla inaudita de naturalidad y fuerza la complejidad y las múltiples caras del ser humano. (...) La película de Sachs muestra el romance, captura el torrente de emociones que se concentran en torno a él y, sobre todo, expone con una mezcla complicadísima de afecto, crudeza y humor, los efectos de esa historia en cada uno de sus personajes. Lo que hace Sachs no es nada fácil. Tiene el don de explicar sin juzgar, sin castigar y, sobre todo, sin moralizar, que no siempre se sale ileso de la pasión y del deseo, que las partes implicadas no van siempre en la misma dirección. El director de El amor es extraño (2014) captura en la misma película la naturaleza irresistible de la pasión (es una película de cuerpos y rostros hermosos, indiscutiblemente sexy) y lo que la alimenta (la atracción física, el placer, la sensación de huida), pero también las variables que pueden hacerla estallar por los aires: el egoísmo, la toxicidad y la incapacidad de ponerse en la piel del otro. Para ello cuenta con la complicidad de tres actores absolutamente extraordinarios".

Philipp Engel (Cinemanía): "Si la película dentro de la película, en la primera escena, queda impostada, todo lo contrario ocurre con el resto del metraje, que es pura vida. Cada escena es todo un acontecimiento en sí mismo, que no nos prepara en absoluto para la siguiente, puesto que no tenemos ni idea de lo que ocurrirá, ya que es el imprevisible, caprichoso y egocéntrico personaje de Rogowski quien nos lleva de la mano, tomando toda clase de decisiones sobre la marcha, y volviendo sobre ellas, sin importarle lo más mínimo el doloroso caos que siembra a su alrededor. Si en 'El amor es extraño', Sachs nos sorprendió por la ternura con la que abordaba el otoño de una pareja homosexual, aquí lo hace con una vehemente vitalidad a lo Pialat, más propia de la juventud. Una película fundamentalmente hermosa, magníficamente fotografiada por Josée Deshaies ('Saint Laurent'), en la que aparece algún encuentro sexual entre Rogowski y Whishaw, que quizás sea de lo más explícito visto en el cine relativamente mainstream de los últimos años pero que sigue siendo una escena que deslumbra por su belleza y asombra por su verdad".


For Your Consideration


Mejor Película, Mejor Dirección (Ira Sachs), Mejor Actor (Franz Rogowski), Mejor Actriz (Adèle Exarchopoulos), Mejor Actor Secundario (Ben Whishaw), Mejor Guion (Mauricio Zacharias, Ira Sachs y Arlette Langmann), Mejor Fotografía (Josée Deshaies), Mejor Montaje (Sophie Reine), Mejor Reparto.

#NoOscarFest9: 'El asesino', de David Fincher

- 12/04/24 1 Comentario


Aunque 'Mank' lograra diez nominaciones al Oscar y le valiera a David Fincher su tercera presencia en la categoría de Mejor Dirección, la película no dejó contentos a muchos fans del cineasta de Colorado. Todos aquellos que no encontraran las señas de identidad de Fincher en su anterior película, tienen motivos de sobra para celebrar 'El asesino', su regreso al género que le hizo célebre. Fincher despliega su dominio de la puesta en escena en este thriller de pocas palabras escrito por el guionista de la catedralicia 'Seven' (Andrew Kevin Walker). Tras cuatro años desaparecido, Michael Fassbender aspiraba a ser uno de los nombres propios del cine de 2023 pero la tibia recepción de 'El asesino' y el fiasco de 'El peor equipo del mundo' hicieron que su gran 'comeback' se quedara a medio gas.


Hacía mucho tiempo que una película de David Fincher no pasaba tan desapercibida en la temporada de premios. La única opción real de nominación fue en Mejor Sonido, ya que 'El asesino' estuvo en la 'shortlist' de diez finalistas y fue nominada en la categoría principal de los premios del sindicato de editores de sonido. Sin embargo, esto no significa que la película no sea brillante en otros apartados técnicos: la fotografía es de Erik Messerschmidt, el montaje de Kirk Baxter y la música de Trent Reznor y Atticus Ross (todos ellos previamente oscarizados por trabajos para Fincher). Puede que la Academia haya abandonado a Fincher en esta ocasión pero no ocurrió lo mismo con el público: se aseguró el puesto en el #NoOscarFest9 siendo la más votada de la repesca.


Sinopsis

Un metódico asesino a sueldo (Michael Fassbender) tiene un mal día en su trabajo y comete un error fatal. Acto seguido, sus jefes toman cartas en el asunto y el reloj empieza a contar en contra del protagonista. Cuando su mujer sea atacada, será la hora de poner las cosas en su sitio.

Críticas

Luis Martínez (El Mundo): "Devuelve a la audiencia al Fincher más ortodoxo (si es que algo así existió nunca). Tras 'Mank', una película tan encendidamente personal que acabó en obra universal, el hombre que en 1999 puso a la misma Mostra que ahora revisita contra las cuerdas con 'El club de la lucha' insiste en su concepción del cine como intervención quirúrgica. En realidad, la película no es solo la crónica de una venganza, es un pautado, exquisito y enfermizamente preciso mecanismo para medir y hasta dar sentido al tiempo. Además de una turbia reflexión sobre la ética del trabajo. (...) Pero con todo, lo que hipnotiza de la propuesta de Fincher es la pelea, digámoslo así, que la cinta establece contra el tiempo. En realidad, uno está tentado de pensar que el argumento elegido no es más que una excusa promocional, el gancho comercial que precisa todo producto para la venta. Eso o, por volver a Hitchcock, un 'macguffin', un elemento de distracción para que lo importante explote en su debido momento. Lo que cuenta, decíamos, es la exactitud de metrónomo, el virtuosismo con el que la cinta comprime y expande el recorrido de las agujas del reloj de un lugar a otro del planeta, de una ciudad a otra de Estados Unidos, de un extremo a su contrario de lo que está bien para el justo desarrollo de una vocación y muy mal para todos los demás".

Sergi Sánchez (La Razón): "El asesino (un Michael Fassbender con absoluto control del gesto: un modelo bressoniano) tiene una misión, que es apropiarse del tiempo de nuestra mirada para que entendamos que el mundo es un castillo de cartas que se desmoronará si su método de análisis de lo real falla. La precisión lo es todo, siempre que uno haga bien su trabajo, obre según un sistema de datos e inflexiones, cree "un código para sí mismo". (...) En 'El asesino', el espectador sabe lo que va a ocurrir, porque la trama, que es como un cuerpo aterido de frío, se escribe en la primera secuencia: todo acto tiene sus consecuencias, desatando una venganza implacable que, como un samurái a la antigua usanza, Fassbender, ese lacónico, obsesivo controlador de lo real, ejecutará sin mover una ceja. Hay que crear expectativas para colmarlas, decía Bresson, y eso es lo que hace “El asesino”: el espectador espera algo que se cumple porque su puesta en práctica aspira a una pureza esencial, a saber descartar lo que no aporta sentido, a una belleza armónica que puede confundirse con frialdad metódica. Fincher se pregunta si no podrían ser lo mismo, y la película, que parece una obra menor, se convierte en un ensayo sobre su propio cine".

Manu Yáñez (Fotogramas): "'El asesino' es una adaptación de la novela gráfica homónima de Jacamon y Matz, y cuenta con un guion de Andrew Kevin Walker, autor del libreto de 'Seven'. Pero más que al film protagonizado por Brad Pitt y Morgan Freeman, 'The Killer' remite, en diferentes sentidos, a 'Perdida' y 'El club de la lucha'. De la primera, Fincher recupera el juego con la perspectiva del relato renunciando a toda trampa de guion, mientras que el recuerdo de la segunda aflora en la ácida mirada a la sociedad de consumo. Y es que el protagonista de 'El asesino' se mueve como pez en el agua adquiriendo suministros por Amazon, perfilando sus misiones en Google Maps e ingiriendo calorías en el McDonald's más próximo. La película contiene un punzante comentario social, pero en su corazón palpita una mirada de orden filosófico a la naturaleza trágica del protagonista, quien transita por el mundo condenado a errar una y otra vez. La suya es la angustia de un Sísifo contemporáneo. En su perenne soliloquio interior, el asesino perfila un ideario marcado por el desapego, el pragmatismo y la precisión, pero su odisea se ve obstaculizada por excesos de crueldad y por puntuales atisbos de compasión y curiosidad. Por su lado, Fincher elabora uno de sus trabajos más precisos y rigurosos, aunque su mirada de cineasta-samurái también tiembla cuando el romanticismo asoma por el relato".

For Your Consideration


Mejor Película, Mejor Dirección (David Fincher), Mejor Actor (Michael Fassbender), Mejor Actriz Secundaria (Tilda Swinton), Mejor Guion (Andrew Kevin Walker), Mejor Fotografía (Erik Messerschmidt), Mejor Montaje (Kirk Baxter), Mejor Música (Trent Reznor y Atticus Ross), Mejor Reparto.

Cannes 2024: todas las películas de la Sección Oficial

- 11/04/24 1 Comentario


El Festival de Cannes ha anunciado hoy la programación completa de su 77ª edición. Entre los directores que optarán a la Palma de Oro están Paolo Sorrentino, Yorgos LanthimosFrancis Ford Coppola o David Cronenberg. Fuera de competición se proyectarán, como ya se había sido anunciado previamente, 'Furiosa' o 'Horizon: An American Saga'. El festival arranca el 14 de mayo con la proyección del film de apertura ('The Second Act') y se alargará hasta el día 25. 


SECCIÓN OFICIAL

THE APPRENTICE – Ali ABBASI 

MOTEL DESTINO – Karim AÏNOUZ

BIRD – Andrea ARNOLD

EMILIA PEREZ – Jacques AUDIARD

ANORA – Sean BAKER

MEGALOPOLIS – Francis Ford COPPOLA

THE SHROUDS – David CRONENBERG

THE SUBSTANCE – Coralie FARGEAT

GRAND TOUR – Miguel GOMES

MARCELLO MIO – Christophe HONORÉ

FENG LIU YI DAI (CAUGHT BY THE TIDES) – JIA Zhang-Ke

ALL WE IMAGINE AS LIGHT – Payal KAPADIA

KINDS OF KINDNESS – Yórgos LÁNTHIMOS

L'AMOUR OUF – Gilles LELLOUCHE

DIAMANT BRUT (WILD DIAMOND) – Agathe RIEDINGER

OH CANADA – Paul SCHRADER

LIMONOV - THE BALLAD – Kirill SEREBRENNIKOV

PARTHENOPE – Paolo SORRENTINO

PIGEN MED NÅLEN (THE GIRL WITH THE NEEDLE) –Magnus VON HORN  

LE DEUXIÈME ACTE (THE SECOND ACT) – Quentin DUPIEUX 


UN CERTAIN REGARD

NORAH – Tawfik ALZAIDI

THE SHAMELESS – Konstantin BOJANOV

LE ROYAUME – Julien COLONNA 

VINGT DIEUX ! – Louise COURVOISIER

LE PROCÈS DU CHIEN (WHO LET THE DOG BITE?) – Lætitia DOSCH

GOU ZHEN (BLACK DOG) – GUAN Hu

THE VILLAGE NEXT TO PARADISE – Mo HARAWE

SEPTEMBER SAYS – Ariane LABED

L'HISTOIRE DE SOULEYMANE – Boris LOJKINE

LES DAMNÉS (THE DAMNED) – Roberto MINERVINI

ON BECOMING A GUINEA FOWL – Rungano NYONI

BOKU NO OHISAMA (MY SUNSHINE) – Hiroshi OKUYAMA

SANTOSH – Sandhya SURI

VIET AND NAM – TRUONG Minh Quý

ARMAND – Halfdan ULLMANN TØNDEL


FUERA DE COMPETICIÓN

FURIOSA: UNE SAGA MAD MAX (FURIOSA: A MAD MAX SAGA) – George MILLER

HORIZON, AN AMERICAN SAGA – Kevin COSTNER

SHE'S GOT NO NAME – CHAN Peter Ho-Sun

RUMOURS – Evan JOHNSON, Galen JOHNSON, Guy MADDIN


PROYECCIONES DE MEDIANOCHE

TWILIGHT OF THE WARRIOR WALLED IN – Soi CHEANG

I, THE EXECUTIONER – Seung Wan RYOO

THE SURFER – Lorcan FINNEGAN

LES FEMMES AU BALCON (THE BALCONETTES) – Noémie MERLANT


CANNES PREMIERE

LE FIL – Daniel AUTEUIL

MISÉRICORDE – Alain GUIRAUDIE

C’EST PAS MOI – Leos CARAX

EVERYBODY LOVES TOUDA – Nabil AYOUCH

EN FANFARE (THE MATCHING BANG) – Emmanuel COURCOL

RENDEZ-VOUS AVEC POL POT – Rithy PANH

LE ROMAN DE JIM – Arnaud LARRIEU, Jean-Marie LARRIEU


PROYECCIONES ESPECIALES

LA BELLE DE GAZA – Yolande ZAUBERMAN

APPRENDRE –Claire SIMON

L’INVASION (THE INVASION) – Sergei LOZNITSA

ERNEST COLE, PHOTOGRAPHE (ERNEST COLE, LOST AND FOUND) – Raoul PECK

#NoOscarFest9: 'Fallen Leaves', de Aki Kaurismäki

- 10/04/24 1 Comentario


Pese a contar con una filmografía tan extensa como celebrada (más de 20 títulos), Aki Kaurismäki solamente ha sido nominado al Oscar en una ocasión en la categoría de Mejor Película Internacional (por 'Un hombre sin pasado'). Todo apuntaba a que 2024 sería el año de la segunda, especialmente después de lograr dos menciones en los Globos de Oro (una de ellas para Alma Pöysti), pero finalmente acabó quedándose fuera de un apartado que la pasada temporada fue especialmente competida. Con nominación al Oscar o sin ella, 'Fallen Leaves' ha sido la excusa perfecta para reivindicar a uno de los cineastas más personales del Viejo Continente: ganó el Premio Especial del Jurado en Cannes, consiguió seis nominaciones a los Premios del Cine Europeo y ha sido uno de los títulos más mencionados en las listas de lo mejor del año de los medios más importantes del mundo.

'Fallen Leaves' es una muestra más del talento de Kaurismäki para conseguir sacar petróleo desde la más absoluta sencillez. Esta historia de amor entre dos personas que están lejos de atravesar su mejor momento (los dos son incapaces de encontrar un trabajo estable) está salpicada de humor, buenas intenciones y el clásico humanismo del cineasta finlandés. En una ajustadísima duración de 80 minutos, Kaurismäki tiene tiempo para lanzar un mensaje político (los protagonistas escuchan en la radio las novedades sobre la Guerra de Ucrania), homenajear a algunos de sus cineastas favoritos (la pareja va al cine para ver una película de Jim Jarmusch y a lo largo de la película se mencionan nombres como Godard, Bresson o Chaplin) y, sobre todo, construir dos personajes adorables a los que solamente puedes desear que les vaya bien en la vida. 

Sinopsis

Ansa (Alma Pöysti) es una mujer soltera y humilde que vive en Helsinki. Una noche se encuentra accidentalmente con el igualmente solitario trabajador Holappa (Jussi Vatanen), un alcohólico. Contra todo pronóstico y malentendidos, intentan construir una relación mientras Holappa lucha por controlar su adicción al alcohol.

Críticas

Sergi Sánchez (La Razón): "En el país con más calidad de vida del mundo, el director de 'Nubes pasajeras' prefiere fijarse otra vez en los desclasados, en las "hojas caídas" del título, en las almas solitarias que viven en los márgenes –un alcohólico en paro, una cajera de supermercado que acaba trabajando en una fábrica– y se enamoran en un karaoke. La poética de Kaurismaki sigue fiel al laconismo de los diálogos, a la expresividad cromática, a los encuadres fijos, al sentido del humor sobrio, y, sobre todo, a una construcción de personajes no por más sintética menos emotiva. En esta historia de amor, atravesada por las noticias de la guerra de Ucrania regurgitadas por viejos aparatos de radio, Kaurismaki siempre se muestra idéntico a sí mismo. Y, sin embargo, ¿por qué nos da la impresión de que esa repetición es tan hermosa? Este crítico no puede dejar de admirar el modo en que 'Fallen Leaves' reconduce el fatalismo melodramático del relato –hay dos momentos en que, como en el 'Tú y yo' de Leo McCarey, se cierne la amenaza sobre los dos enamorados– con dos planos, un gag cariñoso y una promesa de ternura eterna. Y es que cómo puede acabar mal un amor que se consolida en una sala de cine, frente a una película de zombis que se titula 'Los muertos no mueren'".

Luis Martínez (El Mundo): "El cineasta finés ha dedicado buena parte de su filmografía a negarse a sí mismo, a borrar de su libro de estilo cualquier amago de forma, manierismo o simplemente mirada. No se trata de mirar el mundo de un manera determinada sino de mirarlo por primera vez y, quizá, para siempre. 'Fallen Leaves' no es sólo el mejor ejemplo de todo lo anterior sino, dos pasos más allá, es la piedra de toque, la prueba definitiva de desnudez. De nuevo, el director de 'Sombras en el paraíso' (1986) o 'La chica de la fábrica de cerillas' (1990) insiste en la descripción pautada y sin drama del sufrimiento, del alcoholismo y de la pobreza de todos aquellos que, a falta de eufemismo neoliberal, siguen siendo la clase trabajadora. Los personajes de Kaurismaki pasean por la pantalla con el alma enganchada a la correa como lo haría un perro dócil, cariñoso y desvalido. Pero lo hacen sin dejarse impresionar por las circunstancias, sin exhibicionismo, tan conscientes de su dolor que solo emocionan (...) El director reduce cada movimiento a casi la parálisis, cada frase a apenas una palabra, cada caricia a una simple mirada. Y así hasta lograr una obra maestra en su absoluto vacío; una película vertiginosa en su quietud; divertida hasta lo trágico; bella de puro sucia. Buster Keaton estaría muy orgulloso de Kaurismaki. Unos ojos saltones no para mirar de otra forma sino para mirar por primera vez. Y para siempre".

Desirée de Fez (El Periódico): "Es una gran noticia que el año se cierre con el estreno de una película tan extraordinaria como 'Fallen Leaves'. Lo es tanto para los espectadores familiarizados con el cine de Aki Kaurismäki como para los que tengan la suerte de descubrirle por primera vez. Su sorpresa va a ser grande. Es una gran noticia porque no hay tantas ocasiones hoy de encontrarse con una película tan personal, tan pura, tan alejada de tendencias (estéticas, temáticas, incluso emocionales) y tan fuera del tiempo –en el mejor de los sentidos– como ésta. También tan capaz de mostrarse enamorada del cine (la sala, las marquesinas y la entrada del cine, punto de encuentro con el otro, son parte importante de esta historia) sin caer en la nostalgia de saldo, incorporando las referencias con un descaro delicioso: los comentarios a propósito de 'Los muertos no mueren' son impagables. Sobre el flirteo (hermoso, de fondo tristón, señalado por una adversidad chaplinesca) entre una empleada de supermercado y un obrero de la construcción alcohólico, Fallen Leaves está puesta en escena y planificada con maestría, con un uso espectacular del color. Está tocada por un sentido del humor único y minimalista. Y captura la realidad sin tesis ni explicaciones (la precariedad, el alcoholismo, la clase). Todos ellos, rasgos esenciales de su autor. 'Fallen Leaves' es la comedia romántica más atípica y hermosa que ha dado el cine reciente".

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Aki Kaurismäki), Mejor Actor (Jussi Vatanen), Mejor Actriz (Alma Pöysti), Mejor Actor Secundario (Janne Hyytiäinen), Mejor Guion (Aki Kaurismäki), Mejor Fotografía (Timo Salminen), Mejor Montaje (Samu Heikkilä), Mejor Reparto.

#NoOscarFest9: 'Desconocidos', de Andrew Haigh

- 08/04/24 6 Comentarios


Con este post damos el pistoletazo de salida al #NoOscarFest9, el festival virtual que desde 2016 reivindica algunas de las películas que fueron injustamente ignoradas por los Oscar. Os animamos a comentar las películas en redes sociales con el hashtag #NoOscarFest9 y en los distintos posts que publicaremos durante las cuatro próximas semanas.

Arrancamos el NOF con una de las películas que más se echaron de menos en el anuncio de las nominaciones a los Oscar: 'Desconocidos', la última obra de Andrew Haigh. Con cinco películas a sus espaldas, el cineasta británico ha conseguido alcanzar un estatus de culto gracias a títulos como 'Weekend' o 'Lean on Pete' y este año se ha quedado más cerca que nunca de lograr la primera nominación al Oscar de su carrera. 'Desconocidos' cosechó unas críticas sensacionales, dominó los BIFA y consiguió seis nominaciones en los BAFTA (incluyendo la de mejor dirección), pero al otro lado del Atlántico no fue tan bien recibida. '45 años', que se anotó una nominación en la categoría de mejor actriz, sigue siendo la única película de Haigh que ha logrado llamar la atención de los Oscar.

Además de confirmar a Haigh como uno de los directores que mejor cuenta la experiencia homosexual, 'Desconocidos' supone una novedad en su filmografía ya que por primera vez se adentra en el terreno de la ciencia ficción. Cuando el guionista de cine interpretado por Andrew Scott se encuentra con sus padres (Claire Foy y Jamie Bell) y estos resultan tener la misma edad que él, el espectador se adentra en un terreno extraño que le obligará a desconfiar de todo lo que ve en pantalla. Aunque el desenlace pueda no ser satisfactorio para todo el mundo, el visionado de 'Desconocidos' resulta hipnótico en todo momento gracias a la puesta en escena de Haigh, la banda sonora de Emilie Levienaise-Farrouch (autora también de la destacada partitura de 'Living') y, sobre todo, al excelente trabajo de sus cuatro actores. Que Claire Foy todavía no haya sido nominado al Oscar es algo difícil de asimilar.

Sinopsis

En su edificio casi vacío de Londres, Adam (Andrew Scott) tiene un encuentro casual con un misterioso vecino, Harry (Paul Mescal), que pone patas arriba el ritmo de su vida cotidiana. A medida que va surgiendo una relación entre ellos, a Adam le preocupan los recuerdos del pasado y regresa a su ciudad natal y al hogar de su infancia.


Críticas

Luis Martínez (El Mundo): "El director de obras profundas como 'Weekend' o '45 años' toma prestado ahora al autor Taichi Yamada su historia de fantasmas y la reconvierte en un delicado y preciso juego de malabarismos al borde mismo de todos los abismos. La realidad y la ficción, como genuinas fantasmagorías, antes que simplemente confundirse, se reconocen en el mismo espejo y, desde ese lugar que en verdad no tiene asiento, se prestan una a otra la gracia de la oportunidad, la emoción y el sentido. La cámara se mueve por la mirada del espectador entre las sombras de una noche que no acaba y siempre pendiente de los reflejos en los cristales rotos de la memoria, en el quimérico museo de formas inconstantes, que diría Borges. No sé si he dicho ya que aquí, en la soledad compartida del cine, se viene a llorar. Impresiona la delicadeza franca y la frontalidad carnal de una puesta en escena que no ahorra misterios al propio misterio. Gusta menos, sin embargo, la deriva cósmica final (alguna pega hay que poner). Pero, sea como sea, deslumbra la profundidad de una propuesta que confía a pies juntillas en la gravedad de lo que verdaderamente pesa y que, obviamente, no pasa".

Manu Yáñez (Fotogramas): "A través de su enigmática premisa argumental, Haigh no solo transita de un tiempo cronológico a uno más ambiguo, sino que también aprovecha la ocasión para desmarcarse del rigor realista en busca de un extrañamiento estilizado, que aparece propulsado por el 'synth pop' de Frankie Goes to Hollywood y The Pet Shop Boys. Podríamos pensar en una variante del David Lynch más nostálgico pasada por el filtro surrealista de Charlie Kaufman. Basada en la novela ‘Strangers’ de Taichi Yamada, 'Desconocidos' sabe sacar partido de aquella fértil tradición fantástica nipona que ahonda en la difuminación de la frontera entre el mundo de los vivos y los muertos (...) Y por si lo anterior no fuera suficiente, Haigh condimenta su nueva incursión en el drama intimista con un relato romántico en el que la reserva meditativa de Andrew Scott y el atrevimiento sensible de Paul Mescal traen a la mente el pasional duelo que protagonizaban Tony Leung y Leslie Cheung en 'Happy Together' (1997) de Wong Kar-wai. A la postre, más allá de sus malabarismos narrativos, ‘Desconocidos’ acaba desplegando una serena reflexión sobre la perenne batalla del colectivo 'queer' contra los prejuicios impuestos por la heteronormatividad".

Javier Ocaña (El País): "Andrew Haigh ha compuesto una película dolorosa e implacable, romántica y reflexiva, pero sobre todo misteriosa, acerca del amor: el familiar, el sentimental, el sexual. Una obra de abrumadora estilización sobre un encuentro y un reencuentro. (...) Un trabajo asentado en el valor de sus interpretaciones y en su espeluznante sensación de desasosiego dentro de un relato calmo en apariencia. Aunque quizá sea al revés: en su espeluznante sensación de sosiego dentro de un relato angustiado. Una conmoción a la que se llega también a través de las formas. De la envolvente banda sonora de Emilie Levienaise-Farrouch; de la festiva, triste y generacional colección de canciones que la acompaña; del espectral diseño de sus tortuosos interiores; de su luz fantasmagórica; de sus colores rotundos (...) A la tierra prometida del protagonista se ha llegado a través de una sociedad tolerante en un tiempo contemporáneo en el que el amor homosexual no tiene por qué estar esquinado. Sin embargo, la losa del pasado, del desconcierto y de la depresión, pesa aún demasiado. Scott y Mescal lo llevan escrito en el rostro. Y sus actuaciones, junto a las de Claire Foy y Jamie Bell, redondean una obra fascinante. La secuencia del encuentro en la puerta del piso de Scott, con su tempo pausado de conversación y esas miradas de monstruos de la interpretación, queda escrita en la memoria".


For Your Consideration


Mejor Película, Mejor Dirección (Andrew Haigh), Mejor Actor (Andrew Scott), Mejor Actor Secundario (Paul Mescal, Jamie Bell), Mejor Actriz Secundaria (Claire Foy), Mejor Guion (Andrew Haigh), Mejor Fotografía (Jamie Ramsay), Mejor Montaje (Jonathan Alberts), Mejor Música (Emilie Levienaise-Farrouch), Mejor Reparto.