Sofia Coppola forma parte de la historia de los Oscar desde que, gracias a 'Lost in Translation' (2003), se convirtió en la segunda mujer que lograba ser nominada en Mejor Dirección. Por aquella película logró además la estatuilla como guionista pero, 20 años más tarde, esa sigue siendo su única presencia en los Oscar. Es más, la última de sus películas que consiguió alguna nominación fue la que hizo a continuación: 'María Antonieta' (2006). En su octava película como directora, decidió llevar a la pantalla 'Elvis and Me', las memorias de Priscilla Presley que fueron publicadas en 1985. Esta historia de una mujer que es tremendamente infeliz pese a tener una vida (en apariencia) de ensueño no podría encajar mejor con las inquietudes que Sofia Coppola ha mostrado a lo largo de su filmografía.
'Priscilla' tuvo su puesta de largo en el Festival de Venecia, donde convenció a la prensa internacional y también al jurado al adjudicarse la Copa Vopi a la mejor actriz. Pese a las buenas críticas (es la segunda película mejor valorada de Coppola en Metacritic), pasó muy desapercibida en la temporada de premios. Obviamente, no fue ninguna ayuda que llegara un año después del 'Elvis', de Baz Luhrmann, una película que fue enormemente popular y que prefirió pasar de puntillas por el reverso más oscuro del Rey del Rock. Muchas de las nominaciones logradas por la película (incluyendo una en los Globos de Oro) fueron para su protagonista. Cailee Spaeny no es precisamente una recién llegada (la descubrimos en 2018 en títulos como 'Malos tiempos en El Royale' o la secuela de 'Pacific Rim') pero su delicado trabajo en 'Priscilla' la ha confirmado como una de las mejores actrices jóvenes de Hollywood. A su lado está Jacob Elordi, en el año de su puesta de largo en el cine (también participa en el #NoOscarFest9 con 'Saltburn') que logra sobreponerse a la inevitable comparación con Austin Butler y construir un convincente Elvis.
Sinopsis
Priscilla (Cailee Spaeny) conoce a su ídolo Elvis (Jacob Elordi) en la base militar alemana donde la superestrella del rock and roll está cumpliendo sus obligaciones con el ejército. Ella tiene 14 y él 24 pero eso no impide que empiecen un noviazgo que tiene mucho de cuento de hadas. Los problemas llegarán cuando la joven se traslade a Graceland y el cantante comience a mostrar una cara que nada tiene que ver con su imagen pública.
Críticas
Desirée de Fez (El Periódico): "Desde su debut con 'Las vírgenes suicidas' (1999), Sofia Coppola ha escrito algunos de los mejores personajes femeninos de las últimas décadas. No solo los ha escrito. Con el compromiso de actrices espléndidas, también los ha representado con una mezcla dificilísima de sagacidad y afecto. (...) En 'Priscilla', basada en las memorias de Priscilla Presley, cubre varios años de la vida de la protagonista. Pero es en su retrato de la adolescencia, en su comprensión de la Priscilla que tenía 14 años cuando se enamoró de Elvis (él tenía 24), donde Coppola vuelve a brillar. En un ejercicio apabullante de puesta en escena, con los espacios cerrados (las casas, los dormitorios) y los objetos (la decoración, los vestidos, los regalos) como prisión y consuelo de la protagonista, la cineasta captura con una lucidez y una delicadeza asombrosas una adolescencia secuestrada por el otro, en la que la curiosidad, el deseo y la propia identidad entran en una pausa horrible. Cuenta con la extraordinaria interpretación de Cailee Spaeny y con la fotografía de Philippe Le Sourd, que da a la película una cualidad fantasmal que subraya la sensación de irrealidad de Priscilla y los esfuerzos de Elvis y su entorno para convertirla en un espectro hermoso".
Carlos Boyero (El País): "Me ocurre con este relato presuntamente romántico que a veces tengo la sensación de que me están contando un relato de terror. Lo cual es mérito de la directora Sofia Coppola. No hay sustos, ni golpes de efecto, ni monstruos sanguinarios, pero flota continuamente la sospecha o la certidumbre de que existe algo enfermizo, abusivo, enigmático y malsano en un romance que apasionó a la opinión pública e hizo suspirar de envidia a las infinitas admiradoras de un tipo con semejante voz y movimientos electrizantes. No sintiendo pasión por el cine que realiza Sofia Coppola, melifluo en tantos momentos e inútilmente vanguardista, con excepciones como 'Lost in Translation', no deserto en ningún momento de Priscilla. Me crea misterio, compasión, perturbación. Es una película extraña, obsesiva, con anverso y reverso (..) La boda y el rápido embarazo que la sigue se han dilatado excesivamente. Y aunque aparentemente no le falte de nada, Priscilla se siente sola, aunque siga enamorada. Y temerosa. Y manejada. Existe algo muy turbio en esta exótica relación. Y Sofia Coppola lo transmite con notable sutileza. Hay un verdugo y una víctima. También alguien que finalmente se da cuenta de haber sido sometida siempre".
Luis Martínez (El Mundo): "El caso de Priscilla es muy similar al de la infatigable galería de personajes que pueblan la filmografía de la directora de 'Lost in Translation'. De nuevo, el peso de la fama; de nuevo, la adolescencia; de nuevo, la relación desigual entre un hombre mayor y una mujer joven (en este caso, una niña); de nuevo, un personaje indefectiblemente perdido, abandonado, extraviado en un mundo masculino excesivo o demasiado grande o demasiado lujoso o demasiado incomprensible (o solo brutal), y, de nuevo, la música como la caja de resonancia donde las palabras adquieren su profundidad y peso, que no necesariamente su sentido (...) La cinta, que sigue la autobiografía de ella, se impone las reglas del propio cine que ha hecho suyo la autora para antes que decir nada solo mostrar. Y hacerlo renunciando incluso a la más elemental progresión dramática. 'Priscilla' avanza por la pantalla como una serie más o menos desordenada de 'tableaux vivants' en los que el amor entre ellos se tensa y destensa al ritmo que marcan las peleas, las juergas con los amigos, los empachos de pastillas, las ausencias por los largos rodajes de él, los episodios de adulterio publicitados en la prensa... Y siempre con ella encerrada, igual que Maria Antonieta o las adolescentes de 'Vírgenes suicidas', en su particular jaula de oro".
For Your Consideration
Mejor Película, Mejor Dirección (Sofia Coppola), Mejor Actor (Jacob Elordi), Mejor Actriz (Cailee Spaeny), Mejor Guion (Sofia Coppola), Mejor Fotografía (Philippe Le Sourd), Mejor Montaje (Sarah Flack), Mejor Música (Phoenix), Mejor Reparto.
Tras un debut tan poderoso como 'Martha Marcy May Marlene', Sean Durkin se tomó su tiempo para volver a dirigir un largometraje. Su regreso fue nueve años después con 'The Nest', una película que pasó bajo el radar pero que, casi de forma inmediata, se convirtió en un título de culto. Si ya resultaba complicado encontrar similitudes entre sus dos primeras películas, 'El clan de hierro' ha acabado confirmando a Durkin como un cineasta ecléctico e inclasificable. En esta ocasión lleva a la pantalla la historia de la familia Von Erich, uno de los clanes más populares de la historia del 'wrestling', que sufrió una concatenación de tragedias que resulta difícil de asimilar para cualquier espectador que no conozca los acontecimientos reales que retrata la película.
'El clan de hierro' contiene, sin lugar a dudas, la mejor interpretación jamás realizada por Zac Efron, que aquí aparece casi irreconocible con un físico más cercano al Mickey Rourke de 'El luchador' que al del adolescente que rompió corazones en 'High School Musical'. El protagonista, que merecía haber tenido mucha más suerte en la temporada de premios, está magníficamente acompañado por un destacado elenco de secundarios entre los que sobresalen los dos actores más veteranos: Holt McCallany ('Mindhunter') como el exigente patriarca de la familia y Maura Tierney como la estoica madre. La película también brilla en apartados técnicos como el montaje, la música (de Richard Reed Perry, integrante de Arcade Fire) o la fotografía (del húngaro Mátyás Erdély, operador habitual tanto de Durkin como de László Nemes).
Sinopsis
Fritz Von Erich (Holt McCallany) vive obsesionado con que alguno de sus cuatro hijos logre alcanzar el título de campeón del mundo de lucha libre, el premio que se le escapó en su juventud. Para lograr ese objetivo, dedica su vida a preparar a Kevin (Zac Efron) y sus hermanos. Sin embargo, la mala suerte y la excesiva presión que Fritz ejerce sobre sus hijos se interpondrán una y otra vez en su camino hacia el éxito.
Críticas
Sergi Sánchez (La Razón): "Sean Durkin transforma lo que podría haber sido una película deportiva, con sus previsibles momentos de auge y caída, en un relato sobre la fatalidad de la filiación entendida como relación de sumisión y maltrato y, por extensión, en una crítica a esa América trumpista que cuece sus rencores en la era Reagan (...) Lo que aquí se interpreta es una masculinidad histriónica, que se despliega en un ring que funciona como un escenario de 'grand guignol' donde la fuerza de un cuerpo encarna, también, la ostentación vulgar de la ascensión social. Inspirándose en la historia real de los llamados "Kennedy del wrestling", es interesante que Durkin escoja como punto de vista narrativo al personaje de Kevin, el hermano mayor que interpreta un delicado, irreconocible Zac Efron, porque es el que mejor encarna la disociación identitaria que puede provocar la práctica de la lucha libre y, por tanto, el que parece haber nacido para ser héroe trágico, denostado por su padre por ser el más sensible. Es desde esa mirada anómala, que se debate entre el deber inculcado por el poder patriarcal y la lúcida sensatez del que busca su lugar en el mundo, que la película se deja llevar por los imperativos de la tragedia de un modo muy sugerente, a menudo por cortes bruscos o elipsis que señalan la violencia insobornable de la fatalidad. Es admirable que una película que lidia con las emociones reprimidas de lo masculino sea, finalmente, tan conmovedora: cuando llegan las lágrimas golpean mucho más fuerte que un mandoble en el estómago".
Desirée de Fez (Fotogramas): "Desde su debut, Durkin se ha expresado desde géneros y propuestas estéticas distintas, pero hay ciertas líneas que se repiten en su filmografía y en las que reincide en 'El clan de hierro'. Una es su trabajo sobre la complejidad y, sobre todo, sobre las oscuridades del ser humano, tanto si es víctima de las mismas como si las ejerce sobre el otro. Otra es su afilado estudio de las dinámicas de una comunidad, de los distintos mecanismos, sobre todo de los más perversos, que pueden activarse en un grupo de personas (...) Más allá del rigor y la credibilidad con los que recrea la época y retrata el mundo del 'wrestling', la película de Sean Durkin, también autor del guion, es interesante por cómo explora desde lo extremo la ambivalencia de la familia: el "te ayuda y a la vez te asfixia" aquí se convierte en un doloroso "te quiere y a la vez te mata". En ese sentido, 'El clan de hierro' tiene algo de versión masculina de 'Las vírgenes suicidas'. Para ello, con la complicidad de unos actores espléndidos, Durkin entra con arrojo tanto en lo psicológico como en lo físico. Le preocupa ahondar en la perversa ambivalencia (proteger y dañar) que llevó a la tragedia a esos hermanos, y en la compleja psicología de cada miembro de la familia. Pero también le preocupa explorar sus secuelas físicas, cómo la cerrazón del padre se cebó con sus cuerpos. Ahí la película crece, impresiona e incluso tiene algo de original al no caer en la romantización del dolor asociado al deporte".
Javier Ocaña (El País): "Hay en 'El clan de hierro' una afilada reflexión sobre la tradición blanca de la América profunda de los ochenta. La santísima trinidad en casa de los Von Erich, con un padre durísimo, de los que vuelcan en sus hijos sus propias frustraciones pues no logró ser campeón del mundo y ahora quiere serlo a través de sus pupilos, está formada por las armas de fuego, los crucifijos cristianos y los trofeos deportivos. En el salón de casa domina un triunvirato que les hace llevar una vida que tiene mucho de artificio y de representación, aunque también de dignidad. Y los acontecimientos trágicos se van sucediendo en sus vidas, marcados por Durkin en la segunda parte del relato por una luz tenue y unos colores ocres que distinguen el carácter lúgubre de sus existencias (...) Con la ayuda de un estupendo reparto (junto a Allen White, estrella de 'The Bear', están Holt McCallany, de 'Mindhunter', el inquietante británico Harris Dickinson y la revelación dramática de Zac Efron), Durkin compone su historia en un tono sombrío no exento de ternura, y elige el camino más difícil para una historia sobre la aparente patraña de la lucha libre: tratar de un modo serio, respetuoso y grave lo que podría estar cerca de la comedia chusca. Y, al hacerlo, convierte en trágico y trascendente lo que en principio solo era patético".
For Your Consideration
Mejor Película, Mejor Dirección (Sean Durkin), Mejor Actor (Zac Efron), Mejor Actor Secundario (Holt McCallany, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Stanley Simons), Mejor Actriz Secundaria (Maura Tierney, Lily James), Mejor Guion (Sean Durkin), Mejor Fotografía (Mátyás Erdély), Mejor Montaje (Matthew Hannam), Mejor Música (Richard Reed Parry), Mejor Reparto.
'Anatomía de una caída' llega a La Sexta Nominada para un episodio especial del podcast en el que además de repasar la sensacional película de Justine Triet, nos asociamos con Filmin para hablar de mujeres cuestionadas y mujeres que acaban sirviendo. Pocos ejemplos tan buenos como Sandra, esa escritora de éxito que acaba envuelta en un mediático juicio en el que se le acusa de haber asesinado a su marido, también escritor. ¿Es un suicidio, un accidente o un homicidio? De eso y mucho más hablan Dani Mantilla y Juan Sanguino con la ayuda de dos invitadas excepcionales: las guionistas Isabel Vázquez y Paloma Rando.
Además, aprovechando el vastísimo catálogo de Filmin hablamos de otras mujeres complejas y cuestionadas por la sociedad que encontraron la forma de acabar sirviendo y poniendo al resto en su sitio. Atención a algunas de las películas que comentamos en este análisis: 'Network', 'Lady Macbeth', 'Al filo de la sospecha', 'Showgirls', 'La peor persona del mundo', 'El graduado', 'La dama de Shanghai', 'Las amistades peligrosas', 'La muerte os sienta tan bien', 'La boda de mi mejor amigo' y más. Todas ellas están disponibles en Filmin, al igual que las otras películas que también forman parte de la campaña "Este año, hemos venido a servir cine": 'La zona de interés', 'Vidas pasadas', 'Fallen leaves', 'La memoria infinita' o 'Sangre en los labios', que todavía podéis (y debéis) ver en cines.
Christos Nikou sorprendió en 2020 con una insólita ópera prima ('Apples'), que fue amadrinada por Cate Blanchett tras su estreno en el Festival de Venecia y representó a Grecia en la lucha por el Oscar a la mejor película internacional. Las comparaciones con su compatriota Yorgos Lanthimos fueron inevitables (no en vano, su primer crédito en el cine fue como ayudante de dirección en 'Canino') y lo han seguido siendo en su segunda película, aunque su visión del amor sea mucho más optimista que la que ofreció su mentor en 'Langosta'. 'Esto va a doler' dividió a la crítica en sus primeros pases en Toronto y Telluride pero recibió algo más de amor en el Festival de San Sebastián, donde se convirtió en un rayo de luz dentro de una oscura Sección Oficial y se acabó haciendo convirtiendo en la favorita de la prensa internacional al hacerse con el Premio FIPRESCI.
En su estreno en Hollywood, Nikou ha construido una película híbrida que en su puesta en escena (y también en su 'tempo' narrativo) remite al cine de autor, pero con un guion divertido que la introduce de lleno dentro de un género que no suele dar muchas alegrías: la comedia romántica. De esta manera, la película se convierte en un festín para cualquier fan de las 'rom-coms' capaz de apreciar las continuas referencias que hace el guion a los grandes clásicos del género (la mención a Hugh Grant es tronchante). Por supuesto, uno de los mayores reclamos de la cinta es su atractivo reparto: Jessie Buckley (una habitual del #NoOscarFest) y Riz Ahmed forman una pareja encantadora, mientras que Jeremy Allen White (que este año también participa en el festival con 'El clan de hierro') completa el triángulo. Aunque 'Cualquiera menos tú' vaya a pasar a la historia como la comedia romántica más popular de 2023, 'Esto va a doler' fue la película que más se esforzó por dar un soplo de aire fresco al género.
Sinopsis
Anna (Jessie Buckley) comienza a trabajar en el Instituto del Amor, el lugar al que acuden las parejas para realizarse una prueba científica que les diga si realmente están enamoradas. Aunque su resultado fue positivo, Anna no es feliz junto a su novio (Jeremy Allen White) y su vida se complicará aún más cuando comience a sentirse atraída por su nuevo compañero de trabajo (Riz Ahmed).
Críticas
Violeta Kovacsics (Otros Cines): "'Esto va a doler' consigue indagar en los ambages de la comedia romántica para retratar el amor desde una suerte de cotidianidad. Se arma de paciencia a la hora de revelar ese proceso a partir de miradas, de momentos anodinos, de sensaciones minúsculas que se evidencian gracias a un director que sabe no entorpecer la puesta en escena y buscar la sutileza. Sin efectismos, la película nos hace testigos de uno de los procesos más bellos que pueda haber: el del enamoramiento, con todas sus emociones pero también con sus angustias. Christos Nikou confía plenamente en sus actores para abordar todo esto, Riz Ahmed y Jessie Buckley. Es sobre todo esta última, de sonrisa amplia y a veces extraña, quien sostiene la película y sus matices. (...) El director de 'Apples' (sobre una pandemia de amnésicos) no se ha alejado tanto de aquel cine griego que pone en jaque la construcción social a menudo a través de la creación de universos alternativos y de un distanciamiento en la puesta en escena. Ese otro mundo posible está en 'Esto va a doler', situada en un tiempo aparentemente pasado, pero con esa máquina del amor más propia del futuro. Hay algo de aquel cine griego aquí, pero también y mucho del cine independiente americano y de la comedia romántica. Y es ahí, en la subversión de los códigos del género, que 'Esto va a doler' encuentra su lugar y revela el enamoramiento desde la pausa a la vez que ofrece una mirada crítica sobre la dependencia de la tecnología".
Enric Albero (El Cultural): "Por más que la lectura propuesta por Nikou no pretenda socavar las claves del subgénero, ni siquiera proponer un desarrollo alternativo a una historia en el fondo convencional, es imposible negarle a esta película una calidez -la misma que transmiten los tonos otoñales de la fotografía de Marcell Rév- que acuna la mirada, balanceándola ahora hacía el humor ágil, ahora hacia el drama tierno (...) Apoyada en un casting soberbio – a las comedias románticas uno va a enamorarse y aquí se enamora de Jessie Buckley, de Riz Ahmed y hasta de un cortaúñas – al filme de Nikou no le faltan apuntes estéticos que lo elevan por encima de lo que acostumbra el género. Desde la presentación de Anna y Ryan (Jeremy Allen White), separados por un tabique que señala una relación condenada (las imágenes contradiciendo al algoritmo) hasta la secuencia en el coche de Amir (Ahmed), en la que él y Anna cruzan sus cuerpos para solventar la extraña situación en la que se encuentran y que supone la evidencia física de su compatibilidad y de su disposición para el intercambio físico. Quizá a alguno le extrañe que una propuesta agradable y de perfil popular (y comercial) esté en la Sección Oficial de un festival de clase A, pero si uno atiende a una cartelera en la que el cine de entretenimiento se reduce a los blockbusters superheroicos y a las inocuas comedias familiares no le será difícil adivinar que los certámenes se han convertido, también, en el único lugar para exhibir en una sala títulos como 'Esto va a doler'".
Paula Arantzazu Ruiz (Cinemanía): "En 'Esto te va a doler' nos encontramos en algún momento de mediados de los 90, pero la moqueta y la madera que decoran las casas y las oficinas podrían retrotraernos a mucho antes, cuando el sueño de los 'smartphone' era apenas un esbozo. Estas coordenadas le sirven a Nikos para situar una anti 'rom-com' en la que existe una tecnología pedestre (nunca mejor dicho) para averiguar si una pareja está de verdad enamorada: mediante un estudio físico-químico, las uñas de las manos permiten conocer si tu pasión está al mismo nivel que la de tu pareja. La neurosis por esta prueba ha provocado que todo el mundo confíe únicamente en este test para conocer el estado de su enamoramiento, provocando, con ello, una brecha aún más grande en las relaciones interpersonales (...) Con un tono tragicómico, asentado en un diseño de producción medido y con no pocos guiños de carácter cómico, además de en la química entre sus protagonistas, Nikou logra una comedia romántica inusual, seductora y que, como las más paradigmáticas obras del género, se interroga sobre los dilemas clave del sentimiento amoroso: ¿qué es el amor: el enamoramiento, el cariño, la pasión o la estabilidad? La película no ofrece respuestas y seguiremos dando vueltas sobre ello hasta el fin de nuestros días, pero ojalá no tengamos que recurrir a nuestras uñas, como aquí sucede, para dar de una vez con la respuesta.".
For Your Consideration
Mejor Película, Mejor Dirección (Christos Nikou), Mejor Actor (Riz Ahmed), Mejor Actriz (Jessie Buckley), Mejor Actor Secundario (Jeremy Allen White, Luke Wilson), Mejor Guion (Christos Nikou, Sam Steiner y Stavros Raptis), Mejor Fotografía (Marcel Rév), Mejor Montaje (Yorgos Zafeiris), Mejor Música (Christopher Stracey), Mejor Reparto.
Nuevo podcast premium de LA SEXTA NOMINADA. Seguimos con nuestros análisis de los MTV Movie Awards con la segunda y última parte del repaso a la edición celebrada en 2004, cuando 'El señor de los anillos: El retorno del rey' completó tú triple victoria en los premios del pueblo, siguiendo los pasos de 'Titanic' y 'Gladiator', las dos únicas películas que habían ganado el Oscar y el MTV a la Mejor Película hasta entonces. En esta ocasión hablamos de películas como 'Kill Bill. Vol 1' (ganadora de tres premios, Mejor Actriz, Mejor Villana y Mejor Escena de Acción), 'La pasión de Cristo', 'El último samurai', 'Gothika', 'Monster' y muchas más. También de Candela Peña, no os vamos a engañar. No te pierdas el nuevo capítulo de La Sexta Nominada con Juan Sanguino y Dani Mantilla.
Aunque su ausencia en la categoría de Mejor Dirección en 2013sigue siendo una de las mayores sorpresas de los Oscar en este siglo, Ben Affleck tiene pocos motivos para quejarse del trato que ha recibido por parte de la Academia. Antes de cumplir los 30, ya había ganado el Oscar como guionista (por 'El indomable Will Hunting') y por su tercera película como director ('Argo') ganó el premio en calidad de productor. En cambio, su siguiente película, 'Vivir de noche' (2016), no sólo fue ignorada por los Oscar sino que no contó con el favor de la crítica. Tal vez ese fuera el motivo por el que ha tardado siete años en volver a ponerse detrás de las cámaras, una época que le ha servido para reivindicarse como actor gracias a trabajos como 'The Way Back' o 'El bar de las grandes esperanzas' y para volver a ejercer como guionista en 'El último duelo'.
En el guion escrito por el debutante Alex Convery (sacado de la famosa 'blacklist' de Hollywood), Ben Affleck encontró la oportunidad perfecta para contar una historia muy americana sin abandonar el género en el que siempre suele moverse: el 'thriller'. El director cede el protagonismo en 'Air' aun divertido Matt Damon pero se reserva un excéntrico papel como Phil Knight, el director ejecutivo de Nike. Entre los secundarios también destacan Viola Davis como la testaruda madre de Michael Jordan (una elección de casting realizada por el propio ex jugador) y Chris Messina como su verborreico agente. Estrenada hace un año en Estados Unidos, la película llegó algo desgastada a la temporada de premios, aunque acabó logrando dos candidaturas a los Globos de Oro (Mejor Comedia y Mejor Actor de Comedia), tres en los Critics Choice (incluyendo Mejor Reparto) y fue nominada tanto por el sindicato de guionistas como por el de editores.
Sinopsis
En 1984, Nike está a punto de cerrar su división de zapatillas de baloncesto debido a las bajas ventas. Como respuesta a esto, los directivos de la empresa encargan al cazatalentos Sonny Vaccaro (Matt Damon) que encuentre a un jugador que sirva como reclamo para vender zapatillas. Vaccaro pone sus ojos en Michael Jordan, el número 3 del draft, pero llegar hasta él y convencer a su familia no va a ser una tarea fácil.
Críticas
Luis Martínez (El Mundo): "El buen director (mucho mejor que actor) que es Ben Affleck decide así inaugurar un nuevo género de thriller saltarín melodramático a medio camino entre la podología y la arqueología foucaultiana. De la rama de la medicina que estudia los problemas asociados a los pinreles, Air toma el gusto por el fundamento. Lo importante, al fin y al cabo, es una buena base o, de otro modo, lo que cuenta es el gusto aquilatado que demuestra la película por el suspense venga de donde venga, aunque sea de una fascitis plantar. Y de la afición del filósofo francés post estructuralista por el estudio de lo supuestamente irrelevante, la cinta protagonizada con soltura y mucho nervio por Matt Damon se apropia de la voluntad de sorpresa. ¿Quién habría imaginado que unas simples zapatillas llegarían ellas solas tan lejos? En efecto, la película cuenta la historia del calzado deportivo conocido como Air Jordan (...) Y esto, que así dicho da todo lo más para un documental triste en Netflix, adquiere de repente la virtud de los tres puntos desde mucho más allá del perímetro de precisamente los tres puntos, que dirían los locutores entregados. Y eso es así, porque todo cuadra. Es así merced a un guión medido, unas interpretaciones agónicas (mención especial para una Viola Davis descomunal en la piel de la madre tozuda del encestador) y un sentido del humor perfectamente compenetrado con la épica industrial".
Manu Yáñez (Fotogramas): "Podría parecerlo pero 'Air' no es una película de Scorsese. Como hiciera el maestro neoyorquino en 'Casino' (1995), a Ben Affleck le interesa diseccionar el albor de la América corporativa, con sus luces y sombras, su inocencia primeriza y sus egos desatados. Además, Affleck intenta prendarse del sexto sentido de Scorsese para hacer saltar la banca cinematográfica con envites pop. Y lo consigue en pasajes para enmarcar, como cuando Damon y el propio Affleck recrean el nacimiento del sello Air Jordan al son del sintetizador con el que Pino Donaggio erotizó las imágenes de 'Doble cuerpo' (1984) de Brian De Palma. 'Air' es un film que debe degustarse bajo el signo de lo anacrónico. En la era de la acción paroxística (la de Marvel, pero también la de 'Top Gun: Maverick') y la pirotecnia pixelada ('Avatar', pero también 'Stranger Things'), la dupla Affleck-Damon prosigue aquí su apuesta por lo predigital, que inauguraron con el guion de la muy reivindicable 'El último duelo' (Ridley Scott, 2021). En 'Air', Affleck convierte los chispeantes diálogos entre su troupe de self-made men en verdaderos efectos especiales, como hiciera David Fincher en 'La red social' (2010) o Alan J. Pakula en sus thrillers de la década de 1970. Es evidente que Affleck solo consigue otear desde la distancia la gloria fílmica de sus nobles referentes, pero el intento bien merece unas tiradas en la máquina del Jackpot".
Javier Ocaña (El País): "'Air', titulada así en honor al nombre de aquellas míticas zapatillas asociadas al poder de subversión, tiene un tono elegíaco muy especial casi más cercano a la comedia que al drama. En la línea de otra estupenda película popular en torno al deporte y al dinero como 'Jerry Maguire', y quizá ambicionando la calidad y los entresijos de otro relato ajeno en la imagen a los campos y a la bola, a las carreras y a los puntos, y más centrado en los despachos, en las decisiones y, sobre todo, en la inteligencia para saber escrutar lo inescrutable, dónde reside el genio deportivo: 'Moneyball', una de las mejores obras de la historia del cine deportivo, portentosa altura que no alcanza 'Air' (...) Al trabajo de Affleck, tan divertido como en 'Argo', quizá le falte un punto de profundidad para llegar a convertirse en la gran película que podría haber sido con un poco más de ambición y de estilo, pero el poder del director como excelente narrador, ya demostrado en 'Adiós, pequeña, adiós' y 'The Town', provoca que no le falte nada para ser un documento interesantísimo alrededor de las historias del deporte, de las finanzas, del marketing y de la publicidad, y un divertimento para gozar, reír y rememorar".
For Your Consideration
Mejor Película, Mejor Dirección (Ben Affleck), Mejor Actor (Matt Damon), Mejor Actor Secundario (Ben Affleck, Chris Messina, Jason Bateman, Chris Tucker), Mejor Actriz Secundaria (Viola Davis), Mejor Guion (Alex Convery), Mejor Fotografía (Robert Richardson), Mejor Montaje (William Goldenberg), Mejor Música (Alexandre Desplat), Mejor Reparto.
Siete años después de su celebrada ópera prima 'Al filo de los diecisiete' (antecesora clara de títulos como 'Lady Bird' o 'Eighth Grade'), Kelly Fremon Craig volvió a ponerse detrás de las cámaras con un nuevo 'coming-of-age' que la ha confirmado como una verdadera experta en esta materia. '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret' es la adaptación de la revolucionaria novela de Judy Blum que en 1970 rompió moldes por la forma en la que abordó un tema que por aquel entonces era tan tabú como la menstruación. Como ya hiciera con su primera película, Fremon volvió a conquistar a la crítica norteamericana y acumuló más de 100 candidaturas en la temporada de premios, principalmente en las categorías de Mejor Guion Adaptado (incluso fue nominada por el gremio de guionistas) y Mejor Actriz Secundaria.
Abby Ryder Forston, actriz joven pero muy experimentada (era la hija de Paul Rudd en las dos primeras entregas de 'Ant-Man'), está alucinante en la piel de una niña en continuo estado de confusión mientras que una adorable Rachel McAdams da vida a la madre comprensiva que todas las niñas querrían tener. Con sus cinco victorias en los premios de la crítica, McAdams se convirtió en la segunda actriz secundaria más galardonada de la carrera (solamente superada por la inalcanzable Da'Vine Joy Randolph), aunque no pudo hacerse hueco en ninguno de los principales precursores de los Oscar. Por muy apreciada que fuera la película en Estados Unidos, su lanzamiento directo a plataformas en España ha hecho que pase mucho más desapercibida de lo que merece. Esperamos que su inclusión en el #NoOscarFest9 ayude a que más gente la descubra.
Sinopsis
Cuando su familia se muda desde Nueva York hasta los suburbios de Nueva Jersey, una niña de 11 años (Abby Ryder Fortson), deberá esforzarse por hacer nuevos amigos mientras se enfrenta a nuevos sentimientos y al comienzo de su adolescencia.
Críticas
Kristen Lopez (The Wrap): "Kelly Fremon Craig no es ajena a las mujeres jóvenes en un estado de transición, ya que dirigió la igualmente maravillosa 'Al filo de los diecisiete'. Su versión de '¿Estás ahí, Dios?' está llena de corazón y no tiene miedo de hablar sobre todos los temas que hicieron que la novela de Blume fuera tan controvertida. A veces, la característica es discordante por lo abierta que habla de los periodos, los sujetadores y el deseo de las preadolescentes de crecer demasiado rápido. Al mismo tiempo, es una película tan dulce y sencilla sobre la vida que lleva su corazón nostálgico en la manga (...) A pesar de todas las pesadas cosas de la adolescencia que soporta Margaret, el guion de Craig nunca se sumerge en las luchas de la pubertad. Siempre hay un giro humorístico en las cosas, ya sea cuando Margaret y sus amigas miran copias de la revista Playboy y hacen ejercicios para mejorar el busto o las interacciones de Margaret con su abuela (Kathy Bates). Bates, en particular, está en buena forma aquí con ingeniosos comentarios y una relación fantástica con Fortson. En un panorama con pocas películas para familias, y aún menos para niñas preadolescentes, '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret' es una entrada fantástica. Sincera, compasiva, divertida y franca, tiene los ingredientes para convertirse en un nuevo clásico del canon cinematográfico".
Kate Erbland (Indiewire): "Judy Blume nunca hablaba con desdén ni con niños ni con adultos, y ese es el espíritu que impulsa a Kelly Fremon Craig en '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret'. Es una adaptación a la que Blume se resistió durante mucho tiempo, al menos antes de que la cineasta de 'Al filo de los diecistete' y su mentor y productor James L. Brooks le presentaran su idea, pero el libro se traslada maravillosamente a la pantalla grande con la misma rapidez, energía y buena humor de los libros de Blume (...) '¿Estás ahí Dios? Soy yo, Margaret' no es sólo la mejor adaptación de Blume disponible actualmente, sino que también es un clásico instantáneo del género sobre la mayoría de edad, una película cálida, ingeniosa e increíblemente inspiradora que ya es una de las mejores del año. Probablemente esto no sea una novedad para nadie que ame los libros de Blume o haya disfrutado del primer largometraje de Fremon Craig. (¡También es un clásico instantáneo, esta mujer es dos de dos!), pero eso no disminuye la alegría absoluta de este película (o la revelación de que, sí, una propiedad intelectual con décadas de antigüedad realmente puede producir obras maestras modernas)".
Peters Fletcher (The Daily Beast): "Le debe mucho al material original, pero la película no sería nada sin las impecables decisiones de reparto tomadas para sus estrellas principales. Bates, que sólo tiene unas pocas escenas, es un milagro y también un recordatorio de que todos deberían llamar a su abuela si tienen la oportunidad. McAdams aporta gracia e ingenio al papel de Barbara, que tiene su propia trama secundaria y luchas como integrante de la Asociación de Padres y Maestros. Todos los niños actores son formidables, pero Fortson sobresale de una manera que es difícil imaginar que cualquier otra actriz joven podría haber hecho. Ella es una fuerza a tener en cuenta y ahora siempre escucharé el título del libro leído en su voz. Con el humor inteligente de Secundaria de 'PEN15' y el peso emocional de 'Lady Bird', '¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret' entra en el nivel de obras maestras sobre la mayoría de edad. Judy Blume tiene un historial de rechazar adaptaciones de Hollywood de su material; es bueno que haya sido exigente, porque ningún otro elenco podría haber logrado esta hazaña. Aún mejor: otra adaptación de su espectacular trabajo está en camino. Es lo que se merecen los fans de Blume".
For Your Consideration
Mejor Película, Mejor Dirección (Kelly Fremon Craig), Mejor Actriz (Abby Ryder Fortson), Mejor Actor Secundario (Benny Safdie), Mejor Actriz Secundaria (Rachel McAdams, Kathy Bates, Elle Graham), Mejor Guion (Kelly Fremon Craig), Mejor Fotografía (Tim Ives), Mejor Montaje (Oona Flaherty y Nick Moore), Mejor Música (Hans Zimmer), Mejor Reparto.
- 'Los que se quedan' se lleva el premio al mejor guion original ante la ausencia de 'Anatomía de una caída' y pese a la acusación de plagio
- Los WGA Awards se retrasaron por culpa de la huelga de guionistas
MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Air, Written by Alex Convery; Amazon MGM Studios
Barbie, Written by Greta Gerwig & Noah Baumbach; Warner Bros. Pictures
The Holdovers, Written by David Hemingson; Focus Features
May December, Screenplay by Samy Burch, Story by Samy Burch & Alex Mechanik; Netflix
Past Lives, Written by Celine Song; A24
MEJOR GUIÓN ADAPTADO
American Fiction, Screenplay by Cord Jefferson, Based upon the novel Erasure by Percival Everett; Amazon MGM Studios
Are You There God? It’s Me, Margaret., Screenplay by Kelly Fremon Craig, Based on the book by Judy Blume; Lionsgate
Killers Of The Flower Moon, Screenplay by Eric Roth and Martin Scorsese, Based on the book by David Grann; Apple Original Films
Nyad, Screenplay by Julia Cox, Based on the book Find A Way by Diana Nyad; Netflix
Oppenheimer, Screenplay by Christopher Nolan, Based on the book American Prometheus: The Triumph And Tragedy Of J. Robert Oppenheimer by Kai Bird and Martin J. Sherwin; Universal Pictures
MEJOR GUIÓN DE UN DOCUMENTAL
Bella!, Written by Jeff L. Lieberman; Re-Emerging Films
It Ain’t Over, Written by Sean Mullin; Sony Pictures Classics
The Pigeon Tunnel, Written by Errol Morris; Apple Original Films
Stamped from the Beginning, Written by David Teague, Based on the book Stamped From the Beginning by Dr. Ibram X. Kendi; Netflix
What The Hell Happened To Blood, Sweat & Tears?, Written by John Scheinfeld; Abramorama
Es curioso que en el mismo año en el que Wes Anderson ganó su primer Oscar (en la categoría de mejor corto de ficción gracias a 'La maravillosa historia de Henry Sugar'), el texano tuviera que ver cómo su último largometraje no era capaz de lograr ni una sola candidatura en los premios. Tampoco es que sea algo nuevo para él, ya que esta ha sido la sexta vez que la Academia ha decidido ignorar una de sus películas. Como ya ocurriera con 'La crónica francesa', 'Asteroid City' dividió a la crítica desde su puesta de largo en el Festival de Cannes. Aunque algunos no hayan sido capaces de ver en 'Asteroid City' algo más que un ejercicio de estilo vacío, la película también ha contado con un grupo de fans acérrimos que la han reivindicado como una de las mejores del año, entre ellos los que la han votado para que forme parte del #NoOscarFest9.
'Asteroid City' es algo así como la sublimación del particular estilo de Wes Anderson, que convierte el lugar ficticio del título (construido en la localidad madrileña de Chinchón) en su particular parque de atracciones. Se trata de una puesta en escena plenamente reconocible pero que, a la vez, consigue encontrar una personalidad propia gracias al particular tratamiento fotográfico de su mano derecha, el operador Robert D. Yeoman. Como es habitual en las últimas obras de Anderson, la película está plagada de estrellas pero muy pocas tienen espacio para brillar. A los nombres habituales en su filmografía (comenzando por el hierático Jason Schwartzman), Anderson suma algunas incorporaciones valiosas como las de Tom Hanks y Scarlett Johansson (que ya había prestado su voz a un personaje de 'Isla de perros'). En definitiva, una película con todos los ingredientes necesarios para satisfacer a los fans del cineasta pero también para enervar a sus detractores.
Sinopsis
En 1955, colegiales y padres de todo Estados Unidos se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos que se lleva a cabo en Asteroid City, una ciudad en medio del desierto, pero la convención se verá interrumpida por un inesperado suceso.
Críticas
Luis Martínez (El Mundo): "Es de principio a fin una broma extremadamente barroca feliz en cada una de sus contradicciones. Por un lado, es un repaso por los grandes temas del autor pero de manera tan elíptica como concentrada. Que si la familia, que si la infancia como depositaria de lo único interesante (lo mejor), que si los planos grabados a fuego en la retina... Por otro, la localización en el desierto en los años 50 aporta una lectura social o política al cine del autor hasta ahora desconocida y que, de alguna manera, se refuta a sí mismo (...) La película en efecto desconcierta tanto como entusiasma, despista e intriga, libera toxinas a la vez que pone de muy mal humor. Habrá quien mantenga que es una más, que otra vez las simetrías, que de nuevo los diálogos que nada dicen, que para qué tanta broma sin gracia. No se fíen. Asteroid city resulta lo suficientemente compleja para tener en la simplicidad de una frase la clave de casi todo: "Si no sueñas, no podras despertarte". Es ficción de ficción, es Anderson de Anderson, es un punto de eclosión en una de las filmografías que mejor ha pintado el color de la emoción geométrica (sea esto último lo que sea). Bienvenidos al laberinto. Una maravilla, créanme".
Manu Yáñez (Fotogramas): "La película –una de las más bellas y seguramente la más absurda de la carrera de Anderson– transcurre entre dos territorios reconocibles y a la vez extrañísimos (...) Las dos mitades de 'Asteroid City' se toman la mano desde la distancia, con la parte en blanco y negro haciendo las veces de trastienda de la parte en color. Pero es en la trastienda, en las bambalinas, en las entrañas de la obra, donde Anderson le da significado al sinsentido. Observada a simple vista, la nueva película del creador de 'Los Tenenbaum' parece el mayor de los caprichos. Sin embargo, cuando el dramaturgo al que da vida Norton se encuentra con su familia de actores, ya resulta imposible no ver en 'Asteroid City' un emocionante autorretrato del compromiso de Anderson y sus actores con la creación escénica. De hecho, el visionado de 'Asteroid City' despertó en este crítico el recuerdo de las películas de Jacques Rivette o Matías Piñeiro, creadores de universos cerrados, muy teatrales, en los que la vida se mira en el espejo del arte. 'Asteroid City' tiene algo de ejercicio autocomplaciente. ¿Pero qué genio puede librarse de ese pecado?".
Desirée de Fez (El Periódico): "De una forma sofisticada y brillantísima, la película alterna dos planos. Por un lado, la retransmisión televisiva (en blanco y negro) del proceso de preparación y escritura de una obra de teatro. Por otro, en color, la representación de la obra en sí. O, mejor dicho, la puesta en escena, en una ciudad del desierto, de las ideas y las emociones que fluyen y chocan en la preparación de una obra y tienen tanto que ver con el texto como con la fragilidad de las partes implicadas (del autor del libreto a los actores que la interpretarán). En una oda hermosa a la ficción y a quienes la hacen, el cineasta convierte ese conflicto de egos, inseguridades y fogonazos de ingenio en un tapiz insólito de personajes y relaciones humanas (y no sólo humanas) ambientado en la ciudad de Asteroid City. Y allí hace su magia. En ese lugar está todo lo bueno de Anderson en un estadio más maduro, con ideas renovadas: una puesta en escena prodigiosa, un amor insólito en estos tiempos por la planificación rigurosa, el color y el detalle, un sentido del humor exquisito, una defensa del momento musical y la capacidad de seguir generando escenas e imágenes para el recuerdo".
For Your Consideration
Mejor Película, Mejor Dirección (Wes Anderson), Mejor Actor (Jason Schwartzman), Mejor Actor Secundario (Tom Hanks, Jake Ryan), Mejor Actriz Secundaria (Scarlett Johansson, Maya Hawke), Mejor Guion (Wes Anderson y Roman Coppola), Mejor Fotografía (Robert D. Yeoman), Mejor Montaje (Barney Pilling), Mejor Música (Alexandre Desplat), Mejor Reparto.
LA SEXTA NOMINADA vuelve después de un mes de parón. Los análisis en profundidad de 'Anatomía de una caída' y 'American Fiction' se publicarán próximamente, pero hoy recuperamos nuestros análisis de los MTV Movie Awards con la primera parte del repaso a la edición celebrada en 2004, cuando 'El señor de los anillos: El retorno del rey' completó tú triple victoria en los premios del pueblo, siguiendo los pasos de 'Titanic' y 'Gladiator', las dos únicas películas que habían ganado el Oscar y el MTV a la Mejor Película hasta entonces. Además, repasamos las otras integrantes del popular quinteto de aquella edición ('Buscando a Nemo', '50 primeras citas', 'Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra' y 'X-Men 2: X Men United') y el momento que atravesaba en la industria la presentadora de aquella edición, Lindsay Lohan. Todo eso y mucho más, por supuesto, como ya es costumbre en esta vuelta de tuerca a nuestros especiales históricos. No te pierdas el nuevo capítulo de La Sexta Nominada con Juan Sanguino y Dani Mantilla.
Ira Sachs siempre ha sido considerado uno de los cineastas americanos más europeos así que tenía todo el sentido del mundo que acabara cruzando el charco. En 2019 estrenó 'Frankie', su primera producción francesa, y cuatro años más tarde ha llegado 'Passages', rodada en París y protagonizada por un elenco completamente europeo. Aunque el gran triángulo amoroso de 2023 fuese el de 'Vidas pasadas', el construido por Sachs en 'Passages' no se queda atrás en cuanto a atractivo y talento al reunir a tres excelentes intérpretes que todavía no saben lo que es ser nominado al Oscar: Franz Rogowski (actor fundamental del cine europeo reciente), Adèle Exarchopulos (la estrella del cine francés que lleva una década diciéndole no a Hollywood) y Ben Whishaw (que atraviesa el momento más dulce de su carrera).
'Passages' tuvo unas críticas excelentes desde su estreno mundial en el Festival de Sundance y acabó siendo celebrada como una de las mejores cintas independientes del año pasado (compitió en la categoría de mejor película tanto en los Spirit Awards como en los Gotham). Los reconocimientos más importantes logrados por la película recayeron en Franz Rogowski, que se llevó el premio al mejor actor tanto en la Crítica de Nueva York como en la de Florida por su encarnación de un hombre narcisista que pone en peligro la relación con su pareja cuando comienza a sentir una atracción irrefrenable hacia Adèle Exarchopoulos (¿quién puede culparle por ello?).
Sinopsis
En el último del rodaje de una de sus películas, un director de cine llamado Tomas (Franz Rogowski) se acuesta con Agathe (Adèle Exarchopoulos), una chica que conoce en una discoteca. Tomas no tarda en confesárselo a su marido (Ben Whishaw), que no parece darle demasiada importancia. Sin embargo, cuando la relación evoluciona a algo más que un rollo de una noche, su matrimonio comenzará a resquebrajarse.
Críticas
Luis Martínez (El Mundo): "Rogowski es un director de cine que en el fragor de la noche conoce a una joven en una discoteca. Se acuestan. Cuando vuelve a casa, se lo cuenta a su pareja. No se trata de engañar a nadie sino, bien al contrario, de hacer partícipe al que amas de la gracia de un nuevo amor. En realidad, el propósito de Sachs no es otro que el de ser coherente tanto con sus personajes como con su historia y hasta consigo mismo. No hay motivo para desconfiar del amor (mucho menos del sexo) si precisamente solo gracias a él se accede al bien más preciado: la confianza mutua. Y así, aplicando la lógica de manera algo descabellada, el director se las arregla para componer un muy inteligente drama tan preciso a cada paso que da como cruel en cada certeza que discute. Es una película que desnuda la mirada del espectador hasta hacer sonrojar. La cámara persigue a los cuerpos y con ellos se eriza, se irrita, goza y se destruye. Queremos ser como los personajes cuando son felices y perfectos, y apenas alcanzamos a reconocernos en ellos cuando se exhiben zafios y vulgares. El resultado es una película tan libre como heterodoxa, tan brillante como incómoda. En definitiva, un tratado sobre el amor transformado en el más ácido y exquisito de los brebajes".
Desirée de Fez (El Periódico): "Ira Sachs es un cineasta magnífico que merece aún un mayor reconocimiento del que tiene. Su cine está lleno de virtudes, pero una de ellas es, sin duda, su capacidad para mostrar con una mezcla inaudita de naturalidad y fuerza la complejidad y las múltiples caras del ser humano. (...) La película de Sachs muestra el romance, captura el torrente de emociones que se concentran en torno a él y, sobre todo, expone con una mezcla complicadísima de afecto, crudeza y humor, los efectos de esa historia en cada uno de sus personajes. Lo que hace Sachs no es nada fácil. Tiene el don de explicar sin juzgar, sin castigar y, sobre todo, sin moralizar, que no siempre se sale ileso de la pasión y del deseo, que las partes implicadas no van siempre en la misma dirección. El director de El amor es extraño (2014) captura en la misma película la naturaleza irresistible de la pasión (es una película de cuerpos y rostros hermosos, indiscutiblemente sexy) y lo que la alimenta (la atracción física, el placer, la sensación de huida), pero también las variables que pueden hacerla estallar por los aires: el egoísmo, la toxicidad y la incapacidad de ponerse en la piel del otro. Para ello cuenta con la complicidad de tres actores absolutamente extraordinarios".
Philipp Engel (Cinemanía): "Si la película dentro de la película, en la primera escena, queda impostada, todo lo contrario ocurre con el resto del metraje, que es pura vida. Cada escena es todo un acontecimiento en sí mismo, que no nos prepara en absoluto para la siguiente, puesto que no tenemos ni idea de lo que ocurrirá, ya que es el imprevisible, caprichoso y egocéntrico personaje de Rogowski quien nos lleva de la mano, tomando toda clase de decisiones sobre la marcha, y volviendo sobre ellas, sin importarle lo más mínimo el doloroso caos que siembra a su alrededor. Si en 'El amor es extraño', Sachs nos sorprendió por la ternura con la que abordaba el otoño de una pareja homosexual, aquí lo hace con una vehemente vitalidad a lo Pialat, más propia de la juventud. Una película fundamentalmente hermosa, magníficamente fotografiada por Josée Deshaies ('Saint Laurent'), en la que aparece algún encuentro sexual entre Rogowski y Whishaw, que quizás sea de lo más explícito visto en el cine relativamente mainstream de los últimos años pero que sigue siendo una escena que deslumbra por su belleza y asombra por su verdad".
For Your Consideration
Mejor Película, Mejor Dirección (Ira Sachs), Mejor Actor (Franz Rogowski), Mejor Actriz (Adèle Exarchopoulos), Mejor Actor Secundario (Ben Whishaw), Mejor Guion (Mauricio Zacharias, Ira Sachs y Arlette Langmann), Mejor Fotografía (Josée Deshaies), Mejor Montaje (Sophie Reine), Mejor Reparto.
