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Cannes 2019: Todas las películas de la Sección Oficial

- 18 de abril de 2019 No hay comentarios

Aqui está el listado de películas que forman la Sección Oficial de la 72ª edición del Festival de Cannes. Entre los aspirantes a la Palma de Oro están Xavier Dolan, Bong Joon Ho o Pedro Almodóvar, único representante español en la Sección Oficial a concurso. El gallego Oliviar Laxe y el catalán Albert Serra están en la selección de Un Certain Regard.  Aspiran a repetir el gran premio del certamen francés los hermanos Dardenne, Terrence Malick y Ken Loach. Por ahora, no hay noticias de Quentin Tarantino, aunque el cine de Hollywood sí tendrá representación con 'Rocketman'. El Festival de Cannes arranca el 14 de mayo y se alargará hasta el día 26 de ese mismo mes.

Sección Oficial
"The Dead Don't Die" (Jim Jarmusch)
“Dolor y gloria” (Pedro Almodóvar)
“The Traitor” (Marco Bellocchio)
“The Wild Goose Lake” (Diao Yinan)
“Parasite” (Bong Joon Ho)
“The Young Ahmed” (Jean-Pierre Dardenne & Luc Dardenne)
“Oh Mercy!” (Arnaud Desplechin)
“Atlantique” (Mati Diop)
“Matthias and Maxime” (Xavier Dolan)
“Little Joe” (Jessica Hausner)
“Sorry We Missed You” (Ken Loach)
“Les Misérables” (Ladj Ly)
“A Hidden Life” (Terrence Malick)
“Bacarau” (Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles)
“The Whistlers” (Corneliu Porumboiu)
“Frankie” (Ira Sachs)
“Portrait of a Young Girl on Fire” (Céline Sciamma)
“It Must Be Heaven” (Elia Suleiman)
“Sibyl” (Justine Triet)

Fuera de concurso
“The Best Years of a Life” (Claude Lelouch)
“Diego Maradona” (Asif Kapadia)
“La Belle Époque” (Nicolas Bedos)
“Rocketman” (Dexter Fletcher)
“Too Old to Die Young – North of Hollywood, West of Hell” (Nicolas Winding Refn)

Un Certain Regard
“Adam” (Maryam Touzani)
“Beanpole” OR “Dylda” (Kantemir Balagov)
“A Brother’s Love” (Monia Chokri)
“Bull” (Annie Silverstein)
“The Climb” (Michael Covino)
“Evge” (Nariman Aliev)
“Freedom” OR “Liberté” (Albert Serra)
“Invisible Life” OR “Vida Invisivel” (Karim Aïnouz)
“Joan of Arc” OR “Jeanne” (Bruno Dumont)
“Chambre 212” OR “Room 212” (Christophe Honoré)
“Papicha” (Mounia Meddour)
“Port Authority” (Danielle Lessovitz)
“Summer of Changsha” OR “Liu Yu Tian” (Zu Feng)
“The Swallows of Kabul” (Zabou Breitman & Eléa Gobé Mévellec)
“A Sun That Never Sets” OR “O Que Arde” (Olivier Laxe)
“Zhuo Ren Mi Mi” (Midi Z)

Proyecciones especiales
“Family Romance, LLC.” (Werner Herzog)
“For Sama” (Waad Al Kateab, Edward Watts)
“Share” (Pippa Bianco)
“Tommaso” (Abel Ferrara)

Proyecciones de medianoche
“The Gangster, the Cop, the Devil” (Lee Won-Tae)

#NoOscarFest4: 'En realidad, nunca estuviste aquí', de Lynne Ramsay

- 17 de abril de 2019 No hay comentarios

Con solo cuatro películas películas dirigidas en un periodo de 20 años, Lynne Ramsay se ha convertido en una de las autoras más personales del cine británico. 'En realidad, nunca estuviste aquí', su primer trabajo desde 'Tenemos que hablar de Kevin' (2011), salió doblemente premiado de Cannes 2017 (Mejor Guión y Mejor Actor). Aunque en España pudimos verla a finales de ese mismo año, el film no llegó a Estados Unidos y Reino Unido hasta 2018, lo que explica que la película formara parte de la última temporada de premios. Entre los reconocimientos obtenidos por 'En realidad, nunca estuviste aquí' estuvieron  una nominación al BAFTA en la categoría de Mejor Película Británica, ocho nominaciones a los BIFA, cuatro nominaciones a los Spirit Awards y el premio de la Crítica Online de Boston a la Mejor Película. Pese a su escaso metraje, esta adaptación del relato homónimo de Jonathan Ames está trufada de momentos memorables y contiene una poderosa interpretación (otra más) de uno de los mejores actores aún no premiados con un Oscar: Joaquin Phoenix.

Sinopsis

Joe (Joaquin Phoenix), ex marine y veterano de guerra, es un tipo solitario que dedica su tiempo a salvar a mujeres que son explotadas sexualmente. Un día recibe la llamada de un político que le pide que rescate a su hija secuestrada. Joe acepta el encargo como si se tratara de cualquier otro, pero este nuevo trabajo acabará siendo mucho más personal de lo que podría imaginar.

Críticas

Jordi Costa (El país): "La escritura visual de Ramsay no ha hecho más que evolucionar y radicalizarse sin traicionar sus principios, acreditándola como una de las más sofisticadas formalistas del cine contemporáneo. Su último trabajo es un triunfo del estilo. Del estilo como creador de contenido, complejidad y sutileza. (...) La fragmentación de la mirada llega en esta ocasión a forzar los límites de la gramática, igualando en una misma secuencia vivencia, observación, trauma, recuerdo y alucinación culpable. La directora asfixia la palabra al máximo para dejar que sean las imágenes las que tomen el mando de un discurso inteligible, pero nada sumiso a las convencionales expectativas de satisfacción narrativa. La planificación y el montaje no están al servicio de la literalidad, sino del matiz en esta pesadilla que, entre otros hallazgos, resume una violenta irrupción en un burdel mediante imágenes de videovigilancia y abre inesperadas puertas de sentido –la foto a las turistas orientales- en sus (supuestos) tiempos muertos."

Desirée de Fez (Fotogramas): "'En realidad, nunca estuviste aquí' toma una senda del thriller poco transitada últimamente. Salvo excepciones, el thriller contemporáneo con personaje atormentado o se mueve en un terreno psicológico o vuelca toda su energía en la representación física, casi siempre por la vía de la violencia explícita, de ese tormento. Pues bien, Lynne Ramsay lleva aquí al límite de manera fascinante una opción intermedia. Inspirándose con libertad en la novela de Jonathan Ames, de la que desecha toda explicación y todo lo accesorio y retiene el esqueleto, la pulsión y la angustia, la directora no hace ni una cosa ni otra. Mejor dicho: hace las dos a la vez. Se apoya en una narrativa rota y elíptica, en la mirada vacía del ex veterano de guerra y en puntuales descargas de horror para convertir su película en la contundente expresión material de los procesos mentales del protagonista. La película es la abstracción tangible y violenta de una mente destrozada e inconsolable."

Daniel de Partearroyo (Cinemanía): "Joaquin Phoenix se entrega a un recital de torsiones, convulsiones, ahogos y autolaceraciones que, unidos a la nitidez con la que la cámara de Ramsay ausculta las cicatrices de su torso de veterano de guerra, ofrecen una percepción carnal de su torturada psique mucho más elocuente que cualquier flashback narrativo. (...) La densidad de referencias temáticas y tonales es constante (de una fragmentación del clímax de 'Taxi Driver' a una escena subacuática reminiscente de 'La noche del cazador', el modelo de todo cuento siniestro), pero asimiladas y reformuladas. La directora une los golpes a la violencia implícita en cada corte de plano  y deja estáticas las imágenes  más explícitas mientras la acción se desborda entre las cesuras como las consecuencias de nuestros actos: más deprisa de lo deseado. El potentísimo score de Jonny Greenwood acompaña a un Joe cada vez más demacrado que, a cambio de ver arrebatada su última oportunidad de redención, obtiene la máxima aspiración para un personaje de Ramsay: vivir un día hermoso."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Lynne Ramsay), Mejor Actor (Joaquin Phoenix), Mejor Actriz Secundaria (Ekaterina Samsonov, Judith Roberts), Mejor Guión (Lynne Ramsay), Mejor Fotografía (Thomas Townend), Mejor Montaje (Joe Bini), Mejor Música (Jonny Greenwood), Mejor Reparto.

#NoOscarFest4: 'Suspiria', de Luca Guadagnino

- 16 de abril de 2019 4 Comentarios

Tras dirigir una de las películas más aclamadas de 2017 ('Call Me By Your Name'), el italiano Luca Guadagnino se propuso realizar una nueva versión de 'Suspiria', el clásico del 'giallo' dirigido por su compatriota Dario Argento en 1977. Presentada en el Festival de Venecia, la película se convirtió rápidamente en una de las más divisivas del año. Definitivamente, 'Suspiria' siempre fue demasiado controvertida para los Oscar (su clímax final solo es comparable al de 'Madre!', la ganadora del #NoOscarFest3). Sin embargo, resulta sorprendente que la película fuera completamente ignorada también en todas las categorías técnicas y artísticas. Algunos de los aspectos más destacados de la cinta son la fotografía de Sayombhu Mukdeeprom (ganadora del Spirit Award), la música de Thom Yorke (premiada por tres asociaciones de críticos) o ese impresionante maquillaje que permite a Tilda Swinton interpretar varios personajes (entre ellos, un anciano que figura en los créditos como Lutz Ebersdorf ). Precisamente otra de las grandes bazas de la película es ese extenso reparto, íntegramente femenino, que fue reconocido por los Spirit Awards con el premio Robert Altman.

Sinopsis

Susie Bannion es una joven norteamericana que llega a Berlín para estudiar danza en una prestigiosa escuela dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). El mismo día en el que ingresa en la escuela, una alumna que acaba de ser expulsada es asesinada. Desde ese momento, Susie empieza a sospechar que ese lugar esconde un terrible secreto.

Críticas

Manu Yáñez (Fotogramas): "Exprimiendo el potencial político del trabajo con los códigos del suspense y el terror, Luca Guadagnino ha construido una relectura de 'Suspiria' que toma como eje central el estudio de la violencia desatada en nombre de las ideas a lo largo del siglo XX. Así, el director respeta el escenario y tiempo histórico de la original, la Alemania escindida de 1977, pero desplaza a un primer plano el convulso contexto político del periodo, de los ecos del nazismo a las tensiones de la Guerra Fría. Para explorar este universo sociopolítico, Guadagnino pone en juego, mediante la figura de un viejo psicoanalista (¡Tilda Swinton!), la noción de transferencia jungiana, entendida como la transmisión de ideas, identidades o incluso gestos. En la escena más memorable, la bailarina encarnada por Dakota Johnson realiza una danza macabra que, a través de un endiablado uso del montaje, conecta con el aporreo (lejano) de un cuerpo inocente. Así, condensando sus significados en la puesta en escena, Suspiria describe cómo, en contextos marcados por la barbarie, la violencia deviene una fuerza invisible, donde el agresor puede llegar a ignorar las repercusiones de sus actos."

Daniel de Partearroyo (Cinemanía): "Ante la tarea de rehacer uno de los filmes más inimitables que ha habido, siendo imposible copiar su derroche de color y las notas de sintetizador de Goblin que se clavaban como puntas de alambre, el italiano ha tomado la vía de la revisión personal en vez de la copia sin alma. (...) Pero lo que Argento contaba siguiendo una estructura de cuento febril, en manos del guionista David Kajganich se transforma en un ballet con seis actos y epílogo, ambientado en una Berlín nublada, gris y atravesada por fuerzas tan agresivas como los movimientos de baile de Dakota Johnson. Si ella se deja la piel sobre la tarima y modula sus gestos con decisión, corresponde a Tilda Swinton un triple tour de force actoral (y protésico) que engrandece aún más su leyenda. Hasta Mia Goth y Chloë Grace Moretz están espléndidas fumando cigarrillos entre fouettés y demi-pliés o encarnando ansiedad pura ante el misterioso psicoanalista jungiano que emerge como aportación más sorprendente de esta versión. (...) Guadagnino no se sirve del terror para trazar un discurso artístico; como Dreyer, Buñuel, Bergman, Argento o Kubrick antes que él, saca terror del arte."

Manu Piñón (Fotogramas): "Esta nueva lectura no sólo rinde tributo, sino que, en un paso de baile notoriamente arriesgado, discute y reformula. A primera vista, podría dar la impresión de que el guión de David Kajganich desentierra lo que en Argento era sustrato simbólico para convertirlo en discurso, pero los muchos desvíos del original abren nuevas y estimulantes posibilidades de interpretación. (...) La Susie Bannion, oveja negra de una familia menonita, que encarna Dakota Johnson poco tiene que ver con la protagonista de la Suspiria original: de la víctima sacrificial se pasa a una identidad que permite canalizar un discurso feminista cargado de aristas, alejado de toda complacencia. Guadagnino practica el vaciado cromático para usar una paleta de ocres melancólicos que rescata la estética del Nuevo Cine Alemán. Escenas de danza en la que cada inflexión corporal justifica un corte de montaje, el recurso de desligar voces y cuerpos, movimientos de cámara que barnizan de enigma los espacios y un perturbador diseño de sonido se alían para construir un nuevo lenguaje de lo siniestro en esta lúcida pesadilla que habla de un subterráneo poder femenino consagrado a gestionar la culpa y la vergüenza colectivas."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Luca Guadagnino), Mejor Actriz (Dakota Johnson), Mejor Actriz Secundaria (Tilda Swinton, Mia Goth, Chloë Grace Moretz), Mejor Guión (David Kajganich), Mejor Fotografía (Sayombhu Mukdeeprom), Mejor Montaje (Walter Fasano), Mejor Música (Thom Yorke), Mejor Reparto.

#NoOscarFest4: 'Girl', de Lukas Dhont (2018)

- 14 de abril de 2019 1 Comentario

La belga 'Girl' fue una de las grandes sorpresas de la última edición de Cannes. La ópera prima de Lukas Dhont formó parte de la Sección Un Certain Regard y abandonó La Croisette con cuatro premios: la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima, la Queer Palm a la Mejor Película LGTB, el Premio FIPRESCI de su sección y un galardón interpretativo para el debutante Victor Polster. Tras su fulgurante paso por el certamen francés, llegaron muchos más reconocimientos: el premio al Mejor Debut en los European Film Awards, el Premio del Público en el Festival de San Sebastián, una nominación al Globo de Oro en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa... Esta conmovedora y durísima historia producida por el mismo equipo responsable de 'Alabama Monroe (The Broken Circle Breakdown)' logró conquistar a espectadores de todo el mundo. Sin embargo, el éxito internacional de la película no cristalizó en una candidatura al Oscar: 'Girl' fue la ausencia más notable en la lista de nueve finalistas a la estatuilla de Habla No Inglesa.

Sinopsis

Lara (Victor Polster) es una chica transgénero de 15 años que aspira a convertirse en bailarina. Con la ayuda de su padre (Arieh Worthalter), y mientras hace frente a los cambios que está experimentando en su cuerpo, la joven hará todo lo posible por hacer realidad su sueño.

Críticas

Carlos Laureda (Fotogramas): "Lukas Dhont consigue transmitir la tensión, la angustia y el esfuerzo ilimitado de Lara para lograrlo. Raramente el espectador percibe una tensión sorda pero tan intensa y continua en la gran pantalla. Las pequeñas mezquindades de adolescentes en plena explosión hormonal, el sacrificio corporal exigido por sus maestros de danza, el proceso médico que acompaña una etapa de tránsito son pruebas que Lara afronta con su mejor sonrisa en el rostro, su aparente serenidad y su tranquila elegancia. Los movimientos de cámara -libre, fluida, casi etérea que parece abrazar cada movimiento de Lara, presente en casi a totalidad de escenas- es de una belleza que corta el aliento. Nada menos que coreografiados por Sidi Larbi Cherkaoui. Una vez que has visto a Victor Polster en el papel de Lara es inimaginable pensar en otro reparto. El protagonismo de Victor Polster es tan explosivo que no debemos olvidar la inteligencia del guión."

Javier Ocaña (El país): "Dhont utiliza la danza como elemento, al mismo tiempo, estabilizador y desestabilizador. Equilibra y perturba: con sus movimientos, con el tono de la música, con el modo de rodaje y de sonorización, con la distancia a la que se coloca su cámara de la criatura, con su cadencia en el movimiento. Así, dependiendo de cada momento de la historia y del estado interior de los personajes, las secuencias de ballet son el sosiego o la angustia. Y resulta muy llamativo como algo tan bello, y que invita de forma natural a la calma, puede ser filmado como un thriller de acción que lleva hasta el desconcierto, como un baile de la desesperación. Es posible que algunos valoren como excesivo y gratuito su desenlace. Sin embargo, no es más que una mera consecuencia de todo lo narrado: lógico con sus personajes y con lo experimentado. (...) Y capítulo aparte merece el actor Victor Polster, también bailarín, sonrojo itinerante, una fuerza de la naturaleza, sonrisa verdaderamente falsa (o falsamente verdadera, que en este caso es lo mismo), que sobrecoge con una actuación inolvidable."

Manu Piñón (Fotogramas): "'No quiero ser un ejemplo, sólo quiero ser una chica', explica Lara en una de las frases más reveladoras de 'Girl'. Es una estudiante de ballet de 15 años que está iniciando su proceso de transición de género. Lo hace rodeada de un entorno familiar que la apoya. También de unos compañeros que entienden que su vestuario no es el que determina su ‘genitalidad’. Lo que muestra el debutante Lukas Dhont de forma portentosa, con una sensibilidad e intimidad extraordinarias,y la rarísima intuición de su protagonista Victor Polster, es el gran conflicto de alguien que trabaja con su reflejo pero no soporta mirarlo, que busca expresarse con su cuerpo pero lo siente ajeno. Más allá de cualquier cuestión de género, Girl es sobre todo una excelente película. Cargarle la responsabilidad de que además de retrato humanísimo funcione como guía terapéutica sería tan absurdo como juzgar a un adolescente por su inmadurez."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Lukas Dhont), Mejor Actor (Victor Polster), Mejor Actor Secundario (Arieh Worthalter), Mejor Guión (Lukas Dhont y Angelo Tijssens), Mejor Fotografía (Frank van den Eeden), Mejor Montaje (Alain Dessauvage), Mejor Música (Valentin Hadjadj), Mejor Reparto.

#NoOscarFest4: 'Burning', de Lee Chang-dong

- 11 de abril de 2019 3 Comentarios

Presentada en la última edición del Festival de Cannes -de donde salió con el premio FIPRESCI)-, 'Burning' fue una de las películas de habla no inglesa más celebradas de 2018. El coreano Lee Chang-dong, que ya fue fue premiado en Cannes por su anterior película ('Poesía') se hizo de rogar ocho años para estrenar este thriller cocinado a fuego lento que adapta un relato corto de Haruki Murakami. Hasta cuatro asociaciones de críticos distintas destacaron a 'Burning' como la mejor película extranjera del año (por delante de títulos como 'Roma' o 'Cold War'). También fueron cuatro las organizaciones que distinguieron a Steven Yeun (Glenn en 'The Walking Dead') con el premio al Mejor Actor Secundario. La película logró entrar en la lista de nueve finalistas al Oscar de Habla No Inglesa pero finalmente acabó quedándose fuera de las nominaciones. Cuesta asimilar que una cinematografía tan potente como la surcoreana -que cuenta con directores como Hong Sang-soo, Bong Joon-hoKim Ki-duk o Park Chan-wook (ganador del #NoOscarFest2 con 'La doncella')- todavía no haya logrado ninguna candidatura al Oscar.

Sinopsis

Jongsu (Yoo Ah In), un joven mensajero, se encuentra por casualidad con Haemi (Jun Jong-seo), una chica a la que conoció en su infancia. Jongsu se enamora de la joven, que le pide que cuide de su gato durante un viaje a África. Haemi regresa de su viaje con un nuevo amigo: Ben (Steven Yeun), un joven adinerado y misterioso. Muy pronto, Jongsu empieza sospechar que, bajo su impoluta fachada, Ben esconde un oscuro secreto.

Críticas

Javier Ocaña (El país): "Lee es fiel a Murakami siéndole infiel. Cambia aspectos básicos del protagonista e inventa un nuevo desenlace, manteniendo fijo el ardor de un triángulo amoroso al que aporta una magnífica potencia visual y sonora. Tanto en su música como en el bullicio y los susurros de la ciudad y del campo, en sus amaneceres y en el tratamiento del espacio: los reducidos de los apartamentos de la urbe y los amplios de las afueras, junto a los graneros del título (aquí, invernaderos). Con ecos de William Faulkner y su cuento 'Incendiar establos' (1939), que ya habitaban implícitamente el relato de Murakami y que en la película se convierten en explícitos, Burning posee unos personajes fascinantes, pero hay que abrirse a su atmósfera, a su extrañeza. El espectador que espere respuestas y trama, algo que tampoco hay en Murakami, solo encontrará frustración. El que se disponga con pasión ante un relato incierto y turbio, entrará en el fuego recóndito de una gran película sobre la perdición."

Juan Manuel Freire (El mundo): "La película está toda ella narrada desde una voz distante muy cerca del silencio. La cámara se detiene en los gestos mínimos que hacen que se ensanche la herida. Nuestro protagonista no soporta verse donde el destino, o lo que sea, le ha dejado. No puede con la sensación de no poder. No soporta amar y no ser amado. Y le humilla que lo que a él se le niega pese al esfuerzo, otros lo tengan sin el más mínimo trabajo. Y así, toda la película consigue un clima tenso y calmado a la vez que hace de ella un raro drama con aspecto y textura de 'thriller'. La idea es retratar de la forma más fiel posible la extrañeza, ese punto muerto donde el retrovisor no alcanza y que siempre promete una tragedia. Sin duda, una obra de una intensidad y finura muy pocas veces contemplada. Por supuesto, aquí no hay forma de ganar. Ni de consolarse con la derrota. Se pierde y punto. El sufrimiento no purifica. El sufrimiento hace daño. Nada más."

Antonio Trashorras (Fotogramas): "Maestro del cine contemporáneo con apenas seis obras como director (eso sí, de metraje copioso) y figura intelectual en su país (no solo cuenta con una carrera literaria sino que, además, fue ministro de Cultura) Lee Chang Dong, antes de 'Burning' ya había estrenado aquí gemas como 'Secret Sunshine' y 'Poesía', muestras también de su destreza en el cocinado a fuego lento de un tipo muy particular de melodrama cuya exactitud geométrica y aliento pausado no hacen sino camuflar una virulencia anímica rara vez dada en la historia del medio. Tan minucioso como siempre, aunque elevando su apuesta por la elipsis desconcertante, el coreano juega ahora con una baraja temática bien nutrida (alienación amorosa, fricciones y frustraciones de clase, pulsiones sociopáticas) para componer su largometraje de taxonomía más elusiva (ecos de Antonioni, un no se qué kubrickiano…); una pieza única hecha de lirismo y abstracción "noir" que te envuelve durante su visionado y te acompaña hasta bastante tiempo después."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Lee Chang-dong), Mejor Actor (Yoo Ah In), Mejor Actor Secundario (Steven Yeun), Mejor Actriz Secundaria (Jun Jong-seo), Mejor Guión (Lee Chang-dong y Oh Jung-mi), Mejor Fotografía (Hong Kyung-pyo), Mejor Montaje (Kim Da-won y Kim Hyun), Mejor Música (Mowg), Mejor Reparto.

#NoOscarFest4: 'Aniquilación', de Alex Garland

- 9 de abril de 2019 2 Comentarios

En 2014, la ópera prima de Alex Garland (guionista de 'Nunca me abandones' o '28 días después') se convirtió en una de las grandes sorpresas de la temporada. El fenómeno que supuso 'Ex Machina' acabó llevándola hasta los Oscars, donde consiguió una nominación al Mejor Guión Original y la estatuilla a los Mejores Efectos Visuales. 'Aniquilación', su segunda película, ha confirmado a Garland como una de las voces más interesantes del cine de ciencia-ficción. Pese a las buenas críticas obtenidas por la película, la productora Skydance decidió vender los derechos internacionales de distribución a Netflix después de estrenarla en los cines norteamericanos. David Ellison, presidente de Skydance, se deshizo de 'Aniquilación' por considerarla demasiado "intelectual y complicada". Sin embargo, esta complejidad no ha impedido que muchos espectadores hayan logrado conectar con una película que es tan deslumbrante a nivel visual como desafiante a nivel narrativo.

Sinopsis

Lena (Natalie Portman), bióloga y exsoldado, se une a una misión para investigar lo que le ocurrió a su marido (Oscar Isaac) en la zona X, un fenómeno siniestro y misterioso que se esparce por la costa americana. Una vez dentro, el equipo de la expedición descubre un universo tan fascinante como peligroso del que no será fácil escapar.

Críticas

Roger Salvans (Fotogramas): "'Aniquilación' confirma todo lo que Garland apuntaba en 'Ex Machina' (2014): la capacidad para dotar de una trascendencia nada impostada tramas con un fuerte potencial alegórico pero que funcionan por sí mismas, una cuidada, singular y significativa puesta en escena y el pulso necesario para saltar del sci-fi al terror, del drama al actioner, convirtiéndole en, quizás, el realizador más carpenteriano de los últimos años. Cinta inquietante, atrevida, de imágenes poéticas y bellas, 'Aniquilación' juega en la liga del sci-fi de autor, capaz de alternar su potente carga filosófica (el origen de la vida, el error genético como motor de la evolución) con el arrebato adrenalínico o el retrato sutil de unos personajes bien definidos (y mejor trabajados por el quinteto protagonista) con un clímax final apoteósico y abierto a mil interpretaciones y preguntas, entre ellas el sentido de la existencia humana."

Juan Manuel Freire (El periódico): "Alex Garland parecía la persona ideal para la adaptación de la novela de Jeff VanderMeer , porque en todos sus guiones ha mostrado igual interés por 'high concept' y sutileza psicológica. (...) El tramo inicial de la misión es casi contemplativo, pero a la vez siempre tenso, muy tenso, en parte gracias al exquisito trabajo a nivel sonoro (de nuevo, Geoff Barrow y Ben Salisbury proponen un 'score' alejado del cliché). Pero el verdadero alucine llega con la media hora final: un largo clímax de desorientación y vértigo existencial que traza conexiones visuales con un clásico del género 'mindfuck' como 'Un viaje alucinante al fondo de la mente', de Ken Russell, y reivindica, queriendo o sin querer, la maravillosa 'Under the skin' de Jonathan Glazer. Esta, una historia sobre lo que significa ser humano, como todas las que Garland ha escrito para el cine desde '28 días después'."

Mireia Mullor (Fotogramas): "Su acertada combinación de complejidad emocional, sensualidad visual y reverencia a lo mejor del género la convierten ya en la confirmación de que estamos ante una era dorada de la ciencia ficción. Sus estilizados alienígenas que arden en fuego nos remiten a 'Under the skin' mientras su trama emotiva y cerebral nos lleva a pensar en otra aclamado ejemplo de esta tendencia ('La llegada'). Todos estos son ejemplos de un género que se resiste a estancarse, y que encuentra en los fenómenos paranormales una oportunidad para el psicoanálisis humano y, en última instancia, la redención. (...) Esta historia se basa en la novela de Jeff VanderMeer, pero hay mucho más que explorar en las sugerentes imágenes de Garland, que ha querido llevar la trama a un estado de identificación con otros estados emocionales. Esto es, nutrirla de lecturas amplias y diferentes, que enriquecen el relato y provocan lo que muchos están señalando: hay algo catártico en el viaje de sus protagonistas, que transitan por los escarpados caminos de la depresión."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Alex Garland), Mejor Actriz (Natalie Portman), Mejor Actor Secundario (Oscar Isaac), Mejor Actriz Secundaria (Jennifer Jason Leigh, Tessa Thompson, Gina Rodriguez), Mejor Guión (Alex Garland), Mejor Fotografía (Rob Hardy), Mejor Montaje (Barney Pilling), Mejor Música (Geoff Barrow y Ben Salisbury), Mejor Reparto.

#NoOscarFest4: 'No dejes rastro', de Debra Granik

- 7 de abril de 2019 2 Comentarios

'No dejes rastro' fue una de las películas favoritas de la crítica norteamericana en 2018. Prueba de ello es que se trata uno de los pocos títulos del año pasado que logró mantener el 100% de críticas positivas en Rotten Tomatoes (con un total de 214 opiniones contabilizadas). Su directora, Debra Granik, no es precisamente una desconocida: su anterior película ('Winter's Bone') fue abrazada por los Oscar con cuatro nominaciones incluyendo una en la categoría principal. Sin embargo, 'No dejes rastro' ni siquiera pudo hacerse con una candidatura en el único apartado en el que parecía contar con opciones: Mejor Guión Adaptado. Si 'Winter's Bone' es recordada como la película en la que descubrimos a Jennifer Lawrence, 'No dejes rastro' supone la puesta de largo de otra joven actriz con un futuro prometedor: Thomasin McKenzie. A su lado encontramos al siempre fiable Ben Foster, que sigue haciendo méritos para lograr entrar algún día en la órbita de los Oscar. Entre los galardones obtenidos por 'No dejes rastro' destacan el prestigioso USC Scripter Award a la Mejor Adaptación y el premio de la Crítica de Los Angeles a la Mejor Dirección.

Sinopsis

Will (Ben Foster) es un veterano de guerra que ha tomado la drástica decisión de vivir con su hija (Thomasin McKenzie) en plena naturaleza. Para seguir manteniendo su plácida vida en medio del bosque, padre e hija deben aprender a evitar a las autoridades. La relación entre ambos es espléndida pero la situación se complica cuando la joven muestra su deseo de reincorporarse a la civilización.

Críticas

Tim Grierson (Screen Daily): "Con ecos de 'La balada de Jack y Rose' y 'Captain Fantastic', 'No dejes rastro' es un estudio detallado de un padre que le ha dado la espalda a la humanidad y de la niña a la que cría en este estilo de vida salvaje y poco convencional. (...) Debido a su tono apagado y a sus similitudes narrativas con otras historias parecidas, no siempre es fascinante y se contenta con contar su pequeña historia con mucho cuidado. Ese ritmo pausado permite que Foster y McKenzie desarrollen una relación padre-hija en la que la dinámica de poder comienza a reajustarse lentamente. Will y Tom nunca dejan de amarse, pero las tensiones tácitas hacen que vuelvan a evaluar su relación y su propósito compartido. Es una película que no abruma sino que perdura, dejando su huella en el espectador."

Diego Lerer (Micropsia): "Tras pasar relativamente inadvertida en Cannes, la nueva película de la directora de 'Winter's Bone' fue encontrando su público y una positiva respuesta crítica. Se trata de un film pequeño en formato (son apenas dos personajes, padre e hija, y hasta la última parte muy pocos más) pero que logra conmover con una historia muy potente. (...) Es una película silenciosa y muy potente en todo lo que no se dice y el espectador intuye, siente. El rostro de Foster deja en claro su imposibilidad de ingresar al mundo o comunicar sus problemas aun desde el silencio o usando apenas monosílabos. Y la ya no tan chica Tom se verá en la disyuntiva de seguir junto a su padre, tratar de integrarlo a algún tipo de sociedad o emprender una vida separada a la suya."

José Martín León (El antepenúltimo mohicano): "'No dejes rastro' es un drama profundamente humanista, que indaga en el corazón (y la psicología) de sus personajes sin caer en ningún instante en el sentimentalismo ni hacer juicios de valor sobre sus acciones. (...) El intimista relato está narrado con ritmo sinuoso y una sutileza que elude cualquier golpe de efecto que fuerce el dramatismo del mismo. Tampoco incurre en el preciosismo formal, a pesar de que la hermosa fotografía de Michael McDonough sabe aprovechar la belleza de las localizaciones naturales en las que acontece la mayor parte de la acción. Lo que de verdad hace que la emoción sea tan palpable que atraviese la pantalla y consiga tocar la fibra sensible del espectador más duro de corazón es el maravilloso trabajo de sus dos protagonistas."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Debra Granik), Mejor Actor (Ben Foster), Mejor Actriz (Thomasin McKenzie), Mejor Guión (Debra Granik y Anne Rossellini), Mejor Fotografía (Michael McDonough), Mejor Montaje (Jane Rizzo), Mejor Música (Dickon Hinchliffe).

#NoOscarFest4: 'Hereditary', de Ari Aster

- 5 de abril de 2019 8 Comentarios

Cuando se anunciaron las nominaciones a los Oscar el pasado mes de enero, el nombre de Toni Collette se convirtió en Trending Topic. Su trabajo actoral en 'Hereditary', ópera prima de Ari Aster, fue uno de los más reivindicados por crítica y público. Aunque finalmente no pudo lograr la nominación al premio de la Academia, Collette acaparó un total de 13 galardones (solamente Olivia Colman, la ganadora del Oscar, acumuló más victorias que ella a lo largo de la temporada) por su descarnada interpretación en esta cinta de terror que ya se ha convertido en un título de culto. Como 'It Follows' o 'La bruja' (dos títulos premiados en anteriores ediciones del #NoOscarFest), 'Hereditary' es una muestra más del gran momento que atraviesa el cine de terror y de que, a partir de los mecanismos clásicos del género, aún es posible construir un producto original que logre sorprender al espectador.

Sinopsis

Después de la muerte de la matriarca de la familia Graham, su hija Annie (Toni Collette) se muda a la casa de la fallecida con su familia. Annie, que vivió una complicada infancia junto a su madre, cree que la muerte de esta puede marcar un antes y un después en su vida. Pero todo se complica cuando la familia empieza a experimentar sucesos paranormales en la casa: primero su hija menor (Milly Shapiro) y después su hijo (Alex Wolff) comienzan a tener extrañas visiones.

Críticas

Luis Martínez (El mundo): "Sobre el papel, se trata simplemente de la historia de una familia condenada por su propia herencia; una maldición que corre de generación en generación como la sombra del peor de los sueños. Sobre la pantalla, todo se antoja aún más oscuro. De repente, cada uno de los argumentos que soportan una película de terror (de eso se trata) son desmontados meticulosamente y expuestos como las piezas de un reloj antiguo. Aster se las ingenia para graduar la fiebre de lo extraño desde la inquietante tranquilidad de una familia feliz hasta lo más parecido a un abismo. La estrategia consiste en ir cosiendo géneros. Desde el drama más obvio al pánico desatado; desde la certeza de lo común al asombro y la duda de lo mágico. Sin interrupción, sin más excusas que la cuidadosa relectura de todos y cada uno de los clásicos del escalofrío que ha dado el cine."

Nando Salvà (Fotogramas): "Es original, asombrosa y perfecta en todos los sentidos. El cineasta hace algo tan difícil como transitar distintas tradiciones del terror y beber de otras películas (de 'El resplandor' a 'Amenaza en la sombra') sin ahogarse en la nostalgia o generar un simple reflejo actualizado y cómplice. Su película dialoga con el género y, a la vez, habla su propio idioma estético y emocional. 'Hereditary' también es asombrosa en su forma de deslizarse por los huecos entre lo vivido y lo soñado; la amenaza sobrenatural y la de la mente resquebrajada; lo heredado y lo adquirido; el espacio real y el espacio mental. Pero lo que la convierte en una obra única y sublime son sus imágenes de horror, imágenes que no aterran por macabras o fortuitas, sino porque parecen conectar con algo profundo y oscuro que se nos escapa por completo."

Jordi Costa (El país): "El deslumbrante arranque establece las claves estilísticas de una película donde encuadres y juegos de escala se pondrán sabiamente al servicio de la desorientación del espectador. (...) El fallecimiento de una matriarca con trastienda activa la pesadilla en este trabajo que limpia al género de todo lugar común para explotar situaciones de alto potencial angustioso. (...) La heterodoxa narrativa con la que se resuelve una secuencia clave, culminada con el desgarrado llanto de una Toni Collette en la que a ratos parece rugir el fuego del infierno, representa la inventiva constante con la que se va desgranando este relato sostenido sobre los cimientos de la verdadera perturbación. Si el cine de terror está viviendo una nueva edad de oro, la primera película de Ari Aster parecía predestinada a ser su catedral. Solo el modo en que, al final, se recurre a la palabra para cerrar el relato compromete la cualidad enigmática de su imponente construcción."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Ari Aster), Mejor Actriz (Toni Collette), Mejor Actor Secundario (Alex Wolff, Gabriel Byrne), Mejor Actriz Secundaria (Milly Shapiro, Ann Dowd), Mejor Guión (Ari Aster), Mejor Fotografía (Pawel Pogorzelski), Mejor Montaje (Lucian Johnston y Jennifer Lame), Mejor Música (Colin Stetson), Mejor Reparto.

#NoOscarFest4: 'Searching', de Aneesh Chaganty

- 3 de abril de 2019 3 Comentarios

Estrenada en pleno mes de agosto en Estados Unidos, 'Searching' se convirtió en una de las grandes sorpresas de la temporada estival. El cortometrajista Aneesh Chaganty dio el salto al largo con una película que, aunque no puede presumir de originalidad (al igual que 'Open Windows' o 'Eliminado', 'Searching' está rodada a través de la pantalla de un ordenador), sí logra explotar las posibilidades de este nuevo género de una forma nunca vista hasta ahora. Desde su demoledor prólogo, 'Searching' es una película que no deja de sorprender al espectador al mismo tiempo que invita a reflexionar sobre el papel que juegan las nuevas tecnologías en nuestras vidas. John Cho (que el año pasado protagonizó 'Columbus', una de las películas que conformaron el #NoOscarFest3) consiguió una nominación al Spirit Award por su entregada interpretación de un padre que no cesa en su empeño de encontrar a su hija.

Sinopsis

Después de que la hija de 16 años de David Kim (John Cho) desaparece, se abre una investigación policial. Pero 37 horas más tarde y sin una sola pista, David decide buscar en el único lugar donde nadie ha buscado todavía y donde se guardan todos los secretos hoy en día: el ordenador portátil de su hija. David debe rastrear las huellas digitales de su hija antes de que desaparezca para siempre.

Críticas

Javier Ocaña (El país): "Efervescente entretenimiento de ritmo salvaje, al tiempo que drama social, en el que se van volcando temas tan trascendentes como, entre otros, la soledad adolescente, el matonismo colegial, los abusos sexuales, la sobreprotección de los padres, la excesiva exposición pública, la soledad, y el peligro de las relaciones cibernéticas. 'Searching mantiene' (casi) en todo momento una estructura de clásico thriller de investigación. (...) Aunque quizá lo más prodigioso sea que Chaganty es capaz de conformar una puesta en escena clásica en el limitado espacio de las cuatro esquinas de la pantalla de un ordenador en un hitchcockiano ejercicio de interoperabilidad y de dirección cinematográfica virtual. Entretenidísima y emocionante hasta su desenlace, con sorpresa incluida, y con absoluta coherencia con sus subtextos, 'Searching' es parte de lo mejor que le ha pasado al cine comercial americano en los últimos años."

Antonio Weinrichter (ABC): "Todo lo que vemos siempre es una pantalla de ordenador: la historia entera está contada solo con «capturas» de pantalla. (...) Se siente cierto vértigo al ver cómo nuestra vida entera queda registrada en ese espejo que el poeta llamó oscuro pero que aquí rezuma una insidiosa transparencia: somos translúcidos, nada escapa a ese ojo ciego que nos mira desde el ordenador. La escena inicial es tan emotiva como aterradora: la vida y muerte de una persona y su familia desfila ante nuestros ojos en unos pocos minutos (...) no se queda en la pura novedad sino que despliega una impecable intriga que nos hace olvidar pronto que la pantalla de cine -y su lenguaje- se ha visto suplantada por esta otra pantalla multifunción."

María Caballero (Fotogramas): "El tándem individuo-tecnología (ya fuese en forma o fondo) fue signo de identidad en autores como Cronenberg, Carpenter o Haneke. Posteriormente, producciones como 'El proyecto de la Bruja de Blair' o 'Paranormal Activity', renovaban la fórmula con resultados excelentes. Otras, como 'Eliminado', intentaban sin fortuna subirse al carro. 'Searching' es el colofón de ese desarrollo digital en el séptimo arte. (...) No sólo es una apuesta arriesgada; 'Searching' altera la narrativa del thriller psicológico y eleva el artificio técnico hasta tensar al máximo la propuesta.El primer largo de Chaganty funciona sin definirse como género, es preciso en su sentido del humor,en el desasosiego palpable, en el drama paterno-filial y, en definitiva, no nos extraña que triunfara en Sundance. Hitchcock innovó con su trama de una sola toma y Chaganty revoluciona el concepto cinematográfico con dispositivos digitales."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Aneesh Chaganty), Mejor Actor (John Cho), Mejor Actriz Secundaria (Debra Messing), Mejor Guión (Aneesh Chaganty y Sev Ohanian), Mejor Fotografía (Juan Sebastian Baron), Mejor Montaje (Nick Johnson y Will Merrick), Mejor Música (Torin Borrowdale), Mejor Reparto.

#NoOscarFest4: 'Viudas', de Steve McQueen

- 1 de abril de 2019 6 Comentarios

Un lustro después de '12 años de esclavitud', Steve McQueen volvió al cine con una película que muy poco tenía que ver con la cinta ganadora del Oscar. En 'Viudas', McQueen se alió con la escritora Gillian Flynn ('Perdida', 'Heridas abiertas') para adaptar al cine una miniserie británica de los años 80 que le marcó cuando era un niño. El resultado es un cóctel explosivo que, disfrazado de película de atracos, combina géneros y temas muy diversos. Aunque las críticas fueron muy favorables, su tempranero estreno y su mal funcionamiento en la taquilla hicieron que 'Viudas' cayera rápidamente en el olvido. Pese a ser una película muy destacada en varios aspectos (por ejemplo, la música de Hans Zimmer, el montaje de Joe Walker o ese extenso e inspirado reparto que bien habría merecido una candidatura al SAG), los Oscar fueron incapaces de hacerle hueco en sus nominaciones.

Sinopsis

Cuando sus maridos fallecen en un intento fallido de robo, Veronica (Viola Davis), Alice (Elizabeth Debicki) y Linda (Michelle Rodriguez) heredan una deuda a la que solo podrán hacer frente dando un último golpe. Convertidas en atracadoras, las tres mujeres se verán inmersas en un peligroso mundo que desconocen y que las pondrá a prueba a todos los niveles.

Críticas

Luis Martínez (El mundo): "La película cuenta la historia de cuatro mujeres que, de repente, han de tomar el puesto de sus maridos. Lo que sigue es lo exigible en estos casos: un poco de fiebre y un bonito laberinto en el que quizá perderse. Pero, vuelta al principio, también es otra cosa. Y es aquí, en el terreno de lo diferente, donde el cineasta se mueve con la misma soltura, claridad y arrojo de siempre. (...) Si se quiere, se trata de una lectura feminista de una forma de hacer cine inflada de testosterona. Pero lo realmente llamativo, por original y brillante, es la forma en la que juega con las expectativas hasta desmontarlas del todo, hasta colocar al espectador ante la certeza de, en efecto, haber visto algo salvaje y felizmente distinto. Es la mirada misma la que cambia."

Nando Salvà (Cinemanía): "McQueen prefiere centrarse en retratar a personas normales pertenecientes a minorías que hacen el mal porque están desesperadas, y porque esa es su única forma de sobrevivir; gente decidida a rebelarse contra un sistema que priva del poder a todo aquel o aquella que no sea un hombre blanco. Pero 'Viudas' no solo explora asuntos de género y raza, también habla de fracturas familiares y religión y políticos corruptos y varias cosas más. De hecho, la principal pega que puede ponérsele a la película es que acumula material argumental suficiente para llenar una temporada televisiva entera. Nada grave, en todo caso, especialmente porque en ningún momento llega a sabotear la diversión ni a impedir que la narración combine expertamente la elegancia con la furia y la liviandad con la trascendencia."

Daniel Martínez Mantilla (Fotogramas): "La película no es inmune a los problemas: McQueen no aprovecha todas las posibilidades de explorar sus personajes femeninos; tira de brocha gorda para intentar ganar trascendencia relatando conflictos de raza, género y clase; y abusa de giros de guion que solo están ahí para darle motivaciones y empaque al personaje interpretado por Davis. Sin embargo, el thriller se confirma como un entretenimiento de primera gracias a las siempre afortunadas decisiones visuales de McQueen (las sorpresas se suceden en su elección de planos y movimientos de cámara) y a la predominancia de la dinámica de sus personajes y el viaje a la independencia de esas viudas sobre un atraco que acaba resultando mucho más trivial de lo que prometía."

For Your Consideration

Mejor Película, Mejor Dirección (Steve McQueen), Mejor Actriz (Viola Davis), Mejor Actor Secundario (Daniel Kaluuya), Mejor Actriz Secundaria (Elizabeth Debicki, Michelle Rodriguez, Cynthia Erivo), Mejor Guión (Steve McQueen y Gillian Flynn), Mejor Fotografía (Sean Bobbitt), Mejor Montaje (Joe Walekr), Mejor Música (Hans Zimmer), Mejor Reparto.