Análisis de categorías: Diseño de Producción, Vestuario y Maquillaje

Comenzamos los análisis de categorías con tres apartados que en la última edición de los Oscar fueron de la mano: Mejor Diseño de Producción, Mejor Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería. Solamente 'Wicked' y 'Nosferatu' aspiran a conseguir la triple victoria que logró 'Pobres criaturas' el año pasado. La película de terror es la más premiada de la carrera por su diseño de producción (seguida de cerca por 'The Brutalist'), mientas que el musical se ha posicionado como la rival a batir en Mejor Vestuario. Las dos aspiran a dar la sorpresa en Mejor Maquillaje y Peluquería, aunque 'La sustancia' puede tener mucho que decir en esa categoría.

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

'The Brutalist' (Judy Becker y Patricia Cuccia)

La arquitectura es un elemento fundamental en 'The Brutalist', una película que ya desde su formato (el Vistavision) parece estar transmitiendo la esencia del brutalismo con su amplia forma rectangular. La fascinación de Judy Becker por el brutalismo venía de lejos pero en esta película la tuvo que llevar aún más lejos. La diseñadora (previamente nominada por 'La gran estafa americana') se tuvo que colocar en la piel de László Tóth, el arquitecto húngaro superviviente del Holocausto al que da vida Adrien Brody. Las primeras conversaciones de Becker con el director Brady Corbet versaron sobre el imponente y simbólico Instituto que Tóth construye para el industrial Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce) para saber qué partes se iban a construir en la realidad. Becker tuvo que crear un diseño que no sólo pareciera auténticamente brutalista (no decorativo, que enfatizara la función sobre la forma, con grandes bloques de hormigón y acero), sino que también se asemejara a algo que este arquitecto formado en la Bauhaus podría haber inventado en la vida real. Además, la construcción debía ser realizable dentro de la producción sin ser un edificio real. Por eso, durante la película solamente se ven ciertas partes o a través de maquetas gigantes. Sin embargo, lo más importante era que el Instituto reflejara el trauma posbélico del arquitecto. Por eso, la diseñadora tomó referencias de campos de concentración y las mezcló con elementos arquitectónicos brutalistas. Su mayor desafío fue descubrir cómo incorporar los elementos del campo de concentración al Instituto, de manera que el resultado final fuera creíble y coherente.

'Cónclave' (Suzie Davies y Cynthia Sleiter)

Aunque 'Conclave' se desarrolla en la Ciudad del Vaticano, el director Edward Berger y la diseñadora de producción Suzie Davies (previamente nominada por 'Mr. Turner') no querían enredarse demasiado en los detalles de la ubicación real. Davies se unió a 'Cónclave' mientras filmaba 'Saltburn' y comenzó a buscar locaciones en Roma durante el verano de 2022. El gran desafío fue que no está permitido filmar ni realizar fotografías dentro del Vaticano y la Capilla Sixtina. El equipo tuvo acceso a imágenes y vídeos antiguos, así como a asesores y expertos católicos que podían brindar información, pero todo tuvo que crearse en los platós de Cinecittà Studios o en otras localizaciones. Debido a que gran parte de la historia tiene lugar en los lugares más secretos del Vaticano, Davies sintió que tenía la libertad de imaginar esos espacios. Por casualidad, en los estudios Cinecittà ya había un decorado de la Capilla Sixtina. Davies y su equipo lo sacaron y lo restauraron, montándolo de una forma ligeramente diferente a la imaginada originalmente. Se necesitaron casi diez semanas para montarlo y otras ocho semanas para construir los decorados adicionales de la Casa Santa Marta, que incluían un largo pasillo y numerosas habitaciones para los cardenales y que es deliberadamente más moderno que la Capilla Sixtina y las demás salas del Vaticano. El resto del Vaticano está compuesto por casi 50 localizaciones, desde una cantina militar utilizada como comedor de la Casa Santa Marta hasta el Ospedale Santo Spirito, que se convirtió en el patio del Vaticano, pasando por el famoso Palazzo Barberini, donde Davies instaló un crucifijo de 4 metros y medio. 

'Dune: Parte 2' (Patrice Vermette y Shane Vieau)

La secuela de 'Dune' protagonizó sorprendentes omisiones en las categorías de Mejor Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería, pero consiguió sostenerse en Mejor Diseño de Producción. Patrice Vermette, oscarizado por la primera entrega, se ha aliado en esta ocasión con Shane Vieu (premiado por 'La forma del agua') para echar el resto en esta segunda parte en la que se han construido un 40% más de decorados y se utilizaron unos 35.000 metros cuadrados de platós en Budapest, además de varias localizaciones desérticas en Abu Dhabi y Jordania. Los libros de Frank Herbert dejaron mucho espacio a la imaginación de Vermette, ya que el autor dio descripciones detalladas de las condiciones de cada planeta pero no fue tan descriptivo en cuanto al aspecto de los lugares específicos. Para la capital de Arrakis, Arrakeen, el equipo de diseño solamente sabía que había vientos de 180 kilómetros por hora, un calor insoportable, gusanos de arena gigantes que se sienten atraídos por la vibración de las arenas del desierto y que la residencia de los Atreides allí es la más grande jamás construida por la humanidad. En respuesta, el equipo creó fachadas de edificios imaginadas en un ángulo para que los vientos las atravesaran, con gruesos muros de roca para mantenerlas frescas, y toda la ciudad está situada en un valle rocoso entre montañas que ofrece protección contra los elementos. Los edificios también recibieron una estética brutalista, en referencia a la forma en que la arquitectura soviética se utilizó como demostración de fuerza en las regiones que colonizó. Entre los nuevos escenarios más memorables de la segunda parte se encuentra Giedi Prime, el mundo natal industrial de la Casa Harkonnen, que apareció mínimamente en la primera parte y para el que Villeneuve pidió "un mundo negro y plástico".

'Nosferatu' (Craigh Lathrop y Beatrice Brentnerova)

Craigh Lathrop se ha encargado del diseño de producción de todas las películas de Robert Eggers pero su trabajo nunca había brillado tanto como en 'Nosferatu'. En esta ocasión, Lathrop apostó por el romanticismo y se sumergió en la obra de artistas como Caspar David Friedrich. La influencia del autor de 'El caminante sobre el mar de nubes' está presente a lo largo de toda la película en aquellas escenas que pretender transmitir la sensación de una figura solitaria en un gran espacio. El contexto en el que 'Nosferatu' introduce a sus protagonistas es la Wisborg de la década de 1830, una ciudad ficticia construida desde cero en los estudios Barrandov de Praga, conjurada a partir de una amalgama de fachadas de varias ciudades alemanas y con un toque de Gdansk (Polonia). Era importante marcar un contraste entre la casa de los Hutter, humilde pero con aspiraciones de riqueza, y la de los Harding, un ejemplo de extravagancia Biedermeier. La decoradora Beatrice Brentnerova fue la encargada de coordinar la elaboración de las alfombras, las telas y los papeles pintados y de conseguir los tejidos originales. El diseñador de producción consideró utilizar el castillo checo Pernštejn, el mismo que Werner Herzog utilizó en su adaptación de 1979, para la residencia del conde vampiro, pero lo descartó por estar demasiado ordenado y impecable. Por ello se decantó por el castillo rumano de Corvin, que exteriormente era ideal porque se estaba cayendo a pedazos pero que acababa de ser renovado por dentro, así que los interiores tuvieron que ser recreados.

'Wicked' (Nathan Crowley y Lee Sandales)

Nathan Crowley es el gran veterano de esta categoría. Tiene seis nominaciones previas (cinco por películas de Christopher Nolan) y todavía no sabe lo que es ganar la estatuilla. Eso podría cambiar gracias a 'Wicked', donde forma equipo con Sandales (previamente nominado por '2017' y 'War Horse'). La Academia podría valorar muy positivamente esta nueva vuelta de tuerca a un lugar tan familiar como el mundo de Oz. Aunque el musical está plagado de efectos visuales, Crowley consiguió convencer a Universal para que prácticamente todos los decorados fueran construidos físicamente. No en vano, los efectos prácticos son su especialidad desde que se inició en ellos participando en el rodaje del 'Drácula' de Coppola. Además, el hecho de filmar en IMAX con algunas de las cámaras con mayor resolución del mundo obligaba a que los decorados se sintieran lo más realistas posibles. 'Wicked' se filmó íntegramente en el Reino Unido, principalmente en los Sky Studios Elstree, donde se utilizaron los 13 platós disponibles, pero eso no fue suficiente y se tuvieron que usar otros seis en Leavesden Studios. Los tres escenarios principales fueron la Universidad Shiz (que incluía un río para llegar a ella), los Bosques de Ozian y la Ciudad Esmeralda, que se construyeron durante 20 semanas y tenían entre 10 y 15 metros de altura. El Emerald City Express, que perfectamente podría haber sido generado por ordenador, se convirtió en un tren real y perfectamente operativo gracias al equipo de Crowley. Su diseño es el resultado de mezclar el imaginario estadounidense con los mecanismos de relojería tan propios del Mago.

Ganará: 'Wicked'

Podría ganar: 'The Brutalist'

Debería ganar: 'The Brutalist'

Debería estar nominada: 'Gladiator II'

MEJOR VESTUARIO

'Un completo desconocido' (Arianne Phillips)

Arianne Phillips es colaboradora habitual de Madonna y Tom Ford y consiguió la primera de sus cuatro nominaciones por una película que tiene mucho que ver con 'Un completo desconocido': 'En la cuerda floja'. En este nuevo acercamiento de James Mangold a una importante figura de la música norteamericana, la figurinista decidió separar el arco visual del personaje en tres etapas distintas. El vestuario de Bob Dylan se divide así en tres momentos: su llegada a Nueva York, su fama en la escena folk y el arquetipo del 'rock and roll'. Cuando tiene 19 ó 20 años, se presenta como un adolescente muy desaliñado, un poco descuidado y con camisas arrugadas. Sin embargo, Dylan había pensado cuidadosamente cada aspecto de esa apariencia, que estaba modelada a imagen y semejanza de Woody Guthrie: con camisas Pendleton y vaqueros holgados de carpintero, que eran el estilo proletario americano por el que Guthrie era conocido. A medida que se adentra en la escena folk, evoluciona hacia algo más varonil y su silueta se va afinando y se vuelve más reflexiva. En esta etapa, Phillips opta por recrear su imagen en la portada del álbum 'The Freewheelin': vaqueros 501, chaqueta de gamuza y camisa de rayas. El cambio más notable se produce en 1965, cuando su estilo recibe una fuerte influencia de los Beatles, y Dylan comienza a llevar vaqueros muy ajustados, blazer y botas de tacón cubano.

'Cónclave' (Lisy Christl)

Lisy Christl tenía una nominación previa (por 'Anonymous') y no debió quedarse muy lejos de hacerse con la segunda gracias a 'Sin novedad en el frente', teniendo en cuenta lo bien que le fue a la anterior película de Edward Berger en las categorías técnicas. Christl decidió introducir algunos cambios respecto a un vestuario tan fácilmente reconocible como el de los cardenales católicos. El primero de ellos fue la tela: optó por una lana más pesada que la que se usa en la vida real. La otra gran modificación fue la del rojo estándar. Christl fue a una casa de vestuario en Roma tuvo una bata original en sus manos y, junto a Berger y el director de fotografía Stéphane Fontaine, llegó a la conclusión de que estar viendo ese tono de rojo durante dos horas podría acabar resultando agotador para el espectador. La diseñadora observó entonces batas más antiguas que datan del siglo XV hasta la década de 1960, notó que eran más oscuras y decidió elegir ese tono porque se vería mejor en cámara. Un elemento que puede pasar desapercibido pero al que Christl prestó mucha atención fueron las cruces. Mientras que algunos cardenales tenían cruces de oro muy pomposas (personajes más conservadores como los de John Lithgow y Sergio Castellitto) otros llevaban cruces de plata más simples (liberales como los de Ralph Fiennes y Stanley Tucci) . Cada una de estas cruces fue realizada en colaboración con un taller familiar de Florencia. En cuanto a la hermana Agnes de Isabella Rossellini, su atuendo tiene poco que ver con el las monjas que cuidan la Casa Santa Marta, pero Christl sí tomó de ellas los colores azul y negro.

'Gladiator II' (Janty Yates y Dave Crossman)

Desde la primera nominación de Janty Yates hasta la segunda tuvieron que pasar 23 años pero, de la segunda la tercera, solamente uno. La diseñadora de vestuario de Ridley Scott no había logrado ninguna candidatura desde 'Gladiator' hasta 'Napoleón' y ahora se ha quedado como la única representante de 'Gladiator II' junto a Dave Crossman (que también le acompañó el año pasado). Su trabajo aquí destaca tanto por el volumen (tuvieron que vestir a cientos de extras) como por su detallismo en el vestuario de sus protagonistas. En cuanto a los trajes de Paul Mescal, su personaje se presenta con un diseño que resalta su musculatura. Desde el inicio, Mescal lleva una túnica básica que posteriormente se transforma en armadura, lo que permite que se aprecien sus piernas. Los figurinistas acordaron con el actor acortar las faldas de los trajes, a pesar de que Ridley Scott prefería un diseño más largo. Esta decisión se justificaba por la moda de la época romana, donde las prendas eran más cortas. A pesar de esta voluntad por mantener la autenticidad histórica, en ocasiones se produjeron compromisos creativos. Por ejemplo, Lucio nunca habría llevado una coraza de cuero en la realidad, pero era importante mantener ese vínculo con la película original. Esa coraza, protagonista de uno de los momentos más emocionantes de la película, no es exactamente la que llevó Russell Crowe pero sí es una réplica realizada a partir de la original.

'Nosferatu' (Linda Muir)

Al igual que Craigh Lathrop, Linda Muir consigue su primera candidatura al Oscar gracias a la que supone su cuarta colaboración con Robert Eggers. Muir lleva vinculada al proyecto de 'Nosferatu' durante una década en la que ha tenido tiempo de sobra para ver películas, leer libros e investigar mucho acerca del vestuario del lugar y la época en los que se ambientan la película: la Rumanía de 1838, un contexto histórico que presentaba muchas dificultades por la naturaleza cambiante de la zona y su gente. Una apuesta clara de Robert Eggers fue la de buscar autenticidad histórica para conseguir que los elementos sobrenaturales fueran aún más creíbles y aterradores. Los mejores ejemplos del trabajo de Muir están en el vestuario de Lily-Rose Depp, compuesto por delicados camisones y elegantes atuendos de clase media de la época de la Regencia (y un sombrero de luto muy memorable) o en la alocada sastrería que crea para el científico obsesionado con lo oculto interpretado por Willem Dafoe. Luego, por supuesto, está el vestuario que concibió para el propio conde Orlok, interpretado por Bill Skarsgård, que toma como referencia la vestimenta de la nobleza de Transilvania de finales del siglo XVI. El conde lleva el mismo traje y una enorme y pesada capa durante toda la película y, igual que ocurre con su rostro, se va revelando poco a poco a lo largo del metraje. Muir tuvo que diseñar un sistema de arnés para mantener esa capa flotando sin esfuerzo sobre sus hombros y poder liberar al actor de ella lo más rápido posible para que no se muriera de calor.

'Wicked' (Paul Tazewell)

Todo un experto en musicales, Paul Tazewell se hizo con un nombre en Broadway (ganó el Tony por 'Hamilton') y logró su primera nominación al Oscar de la mano de Steven Spielberg con 'West Side Story'. En 'Wicked', Tazewell partió de tres referencias clave: 'Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West' (la novela de de Gregory Maguire que inspiró el argumento de 'Wicked'), la película 'El mago de Oz' de Victor Fleming y el propio espectáculo de Broadway, con partitura de Stephen Schwartz y libreto de Winnie Holzman. Al igual que Susan Hilferty, quien diseñó el vestuario escénico ganador del Tony, Tazewell se inspiró en la tierra y el aire, elementos antagónicos, para vestir a los dos personajes principales de Wicked: Elphaba, la marginada de piel verde, y Glinda, la rubia angelical. Elphaba, una luchadora que arriesga su seguridad para proteger a los animales de Oz, empieza vistiendo en gran parte con tela de corteza esmaltada, plisados orgánicos y las siluetas sobrias y recatadas del luto victoriano. Por su parte, Glinda, siempre popular y alegre, debía representar todo lo etéreo y efervescente. Su "vestido burbuja", quizá el traje más famoso de la obra, está inspirado tanto en motivos tangibles (mariposas) como en abstractos (la espiral de Fibonacci). En los días de mayor ajetreo en la producción, Tazewell dirigía un taller de más de cien personas, entre ellas sastres y modistas de alta costura, tejedoras y bordadoras, peleteros, sombrereros, zapateros, armeros y joyeros, además de especialistas en impresión 3D y técnicas láser.

Ganará: 'Wicked'

Podría ganar: 'Nosferatu'

Debería ganar: 'Wicked'

Debería estar nominada: 'María Callas'

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

'A Different Man' (Michael Marino, David Presto y Crystal Jurado)

El equipo de maquillaje de 'A Different Man' está encabezado por Michael Marino, previamente nominado al Oscar por 'El rey de Zamunda' y por convertir a Colin Farrell en El Pingüino en 'The Batman'. Su principal cometido en 'A Different Man' fue transformar a Sebastian Stan en Adam Pearson, actor con Neurofibromatosis tipo 1 (un trastorno genético poco común que provoca el crecimiento de tumores en su rostro). Antes de someterse a un procedimiento experimental que transforma de manera radical su apariencia, el rostro de Sebastian Stan es idéntico al de Pearson, que también tiene un papel secundario al final de la cinta. Además de la actuación de Stan (que ganó el Globo de Oro y el premio al mejor actor en el Festival de Berlín), las prótesis meticulosamente elaboradas por Marino son claves para dar vida al protagonista y reflejar su angustia interna. En 'A Different Man', Marino utilizó fotografías y escaneos 3D del rostro de Pearson (que ha sido sometido a unas 40 cirugías a lo largo de los años) como base para una prótesis de silicona de varias piezas que se adaptaría a las características de Stan. Como no había forma de poder replicar por completo las proporciones exactas de Adam, se tuvieron que tomar algunas decisiones estéticas. Mientras llevaba las prótesis, Stan solo podía ver con un ojo y tenía una audición limitada en un oído. A medida que el rostro de Edward cambia después de su tratamiento radical, Marino hizo prótesis adicionales que muestran la transición, incluyendo una versión muy blanda que Stan destroza en una de las escenas.

'Emilia Pérez' (Julia Floch-Carbonel, Emmanuel Janvier y Jean-Christophe Spadaccini)

'Emilia Pérez' ha logrado la candidatura en esta categoría principalmente por convertir a Karla Sofía Gascón en un narcotraficante durante la primera media hora de la película, pero lo que verdaderamente habría tenido mérito es que la hubieran convertido en una buena persona. Todos los personajes de la película experimentan algún tipo de cambio a medida que avanza la historia, pero ninguno tanto como la propia Emilia Pérez. Para Floch-Carbonel, el desafío fue encontrar una manera de subrayar las diferencias sin caer en clichés o caricaturas. Si bien Manitas fue diseñado inicialmente para lucir como un narco clásico de los años 70 con cabello rizado, ese enfoque fue abandonado cuando Floch-Carbonel se unió al proyecto seis meses antes de que comenzara el rodaje de la película. Jacques Audiard quería que tuviera un aspecto aterrador, así que Floch-Carbonel y Spadaccini idearon un look que consistía en difuminar los rasgos de Karla lo máximo posible (con nariz y mejillas protésicas y añadiendo metal a sus dientes), para así conseguir un efecto sorprendente cuando la viéramos como Emilia. Cuatro años después, cuando el espectador la ve por primera vez después de la transición, la intención era que luciera como una estrella de cine pero que también tuviera un aspecto maternal. Las otras dos actrices principales también sufren sus propias transformaciones: Zoe Saldaña va desde un look muy poco favorecedor a otro mucho más sofisticado y Selena Gomez cambia el color de su pelo cuando se vuelve independiente y libre.

'Nosferatu' (David White, Traci Loader y Suzanne Stokes-Munton)

'Nosferatu' ha sido una de las más gratas sorpresas de finales de año y la mayor prueba de ello está en las cuatro nominaciones con las que fue recompensada en los Oscar. De esas cuatro candidaturas, siempre hubo una que estuvo fuera de toda duda: Mejor Maquillaje y Peluquería. El aspecto del Conde Orlok, rompedor con todo lo que habíamos visto antes, era el secreto mejor guardado del film, hasta el punto de que era imposible ver alguna imagen suya antes del estreno. Su máximo responsable es David White, todo un experto en el maquillaje fantástico que ya había sido nominado por 'Guardianes de la galaxia' y 'Maléfica: Maestra del mal'. 'Nosferatu' siempre fue una obsesión para Robert Eggers desde que siendo niño vio una imagen de Max Schreck en el clásico de Murnau, pero tenía claro que el nuevo conde tenía que acercarse más a la tradición vampírica balcánica y eslava, a esos primeros vampiros populares que parecían cadáveres podridos. Otro elemento clave para el director es que el personaje debía tener bigote porque es imposible encontrar un cuadro en el que aparezca un noble de Transilvania sin vello facial. Bill Skarsgård, familiarizado con las prótesis gracias a 'It', tenía que pasar cuatro horas en la silla de maquillaje para transformarse en un viejo bigotudo decrépito y de pelo escaso. Se utilizaron alrededor de 10 piezas protésicas solo en la cara y la cabeza, y con las prótesis corporales se llegó a 60, que eran aplicadas a la vez por hasta 16 personas. Durante gran parte de la película, apenas vemos solamente la silueta de Orlok, lo que hizo que White sometiera las prótesis a muchas pruebas de cámara para asegurarse de que nada se revelara demasiado pronto. 

'La sustancia' (Pierre Olivier Persin, Stéphanie Guillon y Marilyne Scarselli)

Al igual que en el caso de 'Emilia Pérez', el equipo de 'La sustancia' está formado por tres artesanos franceses sin experiencia previa en los Oscar. Pierre Olivier Persin, maquillador que ha trabajado en 'Border', 'Vengadores: Infinity War' o 'Juego de tronos' es el máximo responsable de la progresiva transformación de Demi Moore en una criatura monstruosa y repugnante que hay que ver para creer. La película de Coralie Fargeat está repleta de referencias cinéfilas y en el caso del maquillaje hay dos que resultan más evidentes: 'El hombre elefante' y 'La mosca'. Encontrar el diseño final del monstruo fue un proceso de varios meses porque Fargeat insistía en buscar el equilibrio adecuado entre algo que fuera grotesco pero también femenino. Lo que vemos en pantalla es el resultado de varias técnicas (moldes, aplicación de silicona, escultura, pintura...) aplicados sobre un traje de látex completo que se ponía la actriz (Margaret Qualley) y que contenía algunos elementos que se podían animar. Esencialmente, era una sofisticada marioneta que se movía mediante mecanismos operados a mano para que la directora pudiera dirigir el tipo de movimiento que quisiera. Además de eso, Qualley debía llevar una capucha y unas prótesis faciales pegadas sobre su cara que le provocaron acné durante meses. Si ella necesitaba de tres horas para transformarse en el gran monstruo final, el proceso por el que atravesaba Demi Moore para convertirse en esa especie de 'Gollum' era todavía más lago.

'Wicked' (Frances Hannon, Laura Blount y Sarah Nuth)

Frances Hannon, la maquilladora que ganó un Oscar por convertir a Tilda Swinton en una anciana en 'El gran hotel Budapest', está de vuelta en los premios gracias a un trabajo que va a ser aún más recordado e icónico: pintar de verde a Cynthia Erivo para transformarla en la Malvada Bruja del Oeste. El equipo liderado por Hannon tuvo que diseñar looks para 80 actores con texto (todos ellos con pelo postizo de algún tipo) y crear pelucas para miles de extras. En los días de mayor trabajo, eran necesarios hasta 140 artistas de maquillaje para cubrir todo el cabello y el maquillaje del reparto. Por ejemplo, para los actores que interpretaban a los Munchkins se usaron pelucas de 200 tonos distintos de rojo y todos ellos debían estar bronceados, tener pecas y ojos marrones y llevar las manos teñidas con tinte de tulipán. El diseño de Elphaba fue, por petición del director, lo más realista posible (pese a ser verde). Se tuvo que crear un maquillaje que durara una jornada de rodaje de 12 horas, que no se transfiriera a los trajes y que tuviera una cierta calidad reflectante, que se consiguió al agregar un poco de neón. Con Glinda, se apostó por un look opalescente y brillante, en línea con el aspecto de sus trajes. Un aspecto muy clásico y atemporal inspirado en imágenes de Grace Kelly.

Ganará: 'La sustancia'

Podría ganar: 'Wicked'

Debería ganar: 'Nosferatu'

Debería estar nominada: 'Dune: Parte 2'

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