Análisis de categorías: Mejor Guion Original y Mejor Guion Adaptado
MEJOR GUION ORIGINAL
'Anora' (Sean Baker)
Sean Baker jamás había sido nominado a un Oscar pero en esta edición podría llevarse hasta cuatro estatuillas por 'Anora', una película que no aporta nada nuevo a su filmografía pero que, sin embargo, ha logrado conectar con la Academia (y el resto de asociaciones) más que ninguna otra. Baker sigue destruyendo el Sueño Americano y dando voz a aquellos ciudadanos que rara vez son representados en la gran pantalla (casi siempre, trabajadores sexuales). El primer paso de Baker en este proyecto no fue escribir el guion sino fichar a Mikey Madison, a la que descubrió en 'Scream 4'. Con la actriz subida a su carro, escribió una historia para ella, que acabó siendo la de esta joven prostituta que conoce al hijo de un oligarca ruso con el que, durante unos días, vive una ilusión. El cine de Baker nunca es aleccionador y 'Anora' funciona como una pequeña ventana a la vida de su protagonista, que es retratada de una manera empática y completamente libre de prejuicios. Durante los primeros compases de la película, Anora llega a pensar que otra vida es posible para ella pero, lamentablemente, no tarda en despertarse del sueño. Cuando es secuestrada por la mafia rusa, se acaba la diversión para ella pero es justo ahí cuando la película se transforma en algo muy parecido a una 'screwball comedy' que podría haber sido firmada por Billy Wilder o su maestro Ernst Lubitsch. 'Anora' oscila en todo momento entre el drama y la comedia, consiguiendo que el espectador sienta pena por la protagonista mientras no puede evitar reírse por la situaciones ridículas en las que se ve inmersa. En su tramo final, Baker parece adentrarse en el terreno del cine romántico, pero queda en manos del espectador decidir si hay una posibilidad de final feliz para Ani.
'The Brutalist' (Brady Corbet y Mona Fastvold)
La colaboración artística de Brady Corbet y su esposa Mona Fastvold viene de lejos. Juntos escribieron 'Dobles parejas' (2014), la ópera prima de la directora noruega y después vinieron las tres películas de Corbet hasta la fecha. La historia ficticia de László Tóth, arquitecto judío superviviente de un campo de concentración que huye de Hungría en 1947, sirve a los guionistas para destrozar la imagen de Estados Unidos como "la tierra de la libertad". El plano de la Estatua de la Libertad boca abajo, que vemos al comienzo de la película y ha sido utilizado incluso en el póster, es el que mejor resume la tesis de 'The Brutalist'. Aquí, Estados Unidos en absoluto es una tierra hospitalaria con los inmigrantes (a diferencia de cómo ha sido representada en un sinfín de películas) y el protagonista tendrá que pasar muchas penurias para, poco a poco, ir escalando en la sociedad, pero siempre pagando un precio muy alto por ello. El guion de Corbet y Fatsvold es extremadamente sobrio y medido (tanto en los diálogos como en sus acontecimientos) durante la primera parte de la película pero, tras el intermedio, se convierte en algo diferente. Con la llegada de Erzsébet (Felicity Jones) al comienzo del segundo acto, la película parece contagiarse de la personalidad de un personaje que no es tan pasivo como su marido. 'The Brutalist' termina con un epílogo que no solamente sirve para desvelar una información importante que había sido ocultada hasta ese momento sino también para lanzar un mensaje final que, para algunos, estropea la película: "Lo importante es el destino, no el viaje”, una inversión de la frase del filósofo Ralph Waldo Emerson (“Es el viaje, no el destino”).
'A Real Pain' (Jesse Eisenberg)
Jesse Eisenberg vuelve a los Oscar 14 años después de su única nominación en la categoría de Mejor Actor por 'La red social'. 'A Real Pain' es su segunda película como director y guionista, que ha llegado apenas dos años después de una ópera prima que pasó muchísimo más desapercibida: 'Cuando termines de salvar el mundo'. En esta ocasión se reserva uno de los protagonistas, lo que hace que la película tengo cierto aroma al cine de Woody Allen (con el que trabajó en 'Café Society' y 'A Roma con Amor'). En 'A Real Pain', dos primos realizan un 'road trip' por Polonia como homenaje su abuela, recientemente fallecida y superviviente del Holocausto. Eisenberg utiliza esta premisa para construir un relato sobre el dolor a través de una doble vertiente: el dolor personal de su primo Benji, que atraviesa una depresión que le ha llevado incluso a intentar suicidarse, y un dolor tan grande y tan "real" como el que tuvo que experimentar su abuela (y millones de personas más). La pregunta que ronda la película es: ¿Hasta qué punto es importante cualquier problema que podamos tener hoy en día en comparación con el Holocausto? Es una historia sencilla que se disfraza de comedia (aunque tampoco es que tenga demasiados 'gags' memorables) gracias al contraste de personalidades de su protagonistas: mientras que el personaje de Eisenberg es más tímido y reservado, el de Culkin desprende carisma y no tiene tanto miedo a expresar sus emociones. El guion ha sido muy bien valorado por aportar una perspectiva novedosa a asuntos tan serios del pasado (el genocidio nazi) y el presente (la salud mental), pero lo cierto es que Eisenberg pasa muy de puntillas por los temas que aborda y deja espacio para que el espectador se plantee si el viaje realmente ha servido de algo para sus protagonistas.
'Septiembre 5' (Moriz Binder, Tim Fehlbaum y Alex David)
Pese a haber pasado bastante desapercibida a lo largo de la temporada de premios, da la impresión de que 'Septiembre 5' no ha debido quedarse muy lejos de la nominación al Oscar a la mejor película. La mejor prueba de ello es su nominación al PGA y, sobre todo, que haya logrado colarse en la categoría de Mejor Guion Original (aunque lo que realmente merecía era una nominación en Mejor Montaje). El director suizo Tim Felhlbaum escribió el guion junto al alemán Moritz Binder directamente en inglés, mientras que Alex David se incorporó más tarde para ayudarles con el idioma y aportar su perspectiva norteamericana. La historia que narra 'Septiembre 5' es de sobra conocida: el secuestro y asesinato de atletas israelíes en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972 fue tratado por Kevin Macdonald en el documental 'Un día de septiembre' y posteriormente por Steven Spielberg en 'Múnich'. La novedad de la película es que aquí el atentado terrorista está contado desde la perspectiva del equipo de periodistas deportivos de la ABC que cubrían los Juegos y que se vieron de repente obligados a cubrir la crisis. Es un tema que a priori podría ser peliagudo (con el conflicto entre Israel y Palestina tan candente) pero la película opta por no tomar partido y reducirlo todo al puro espectáculo televisivo. Los mayores conflictos que se dan en 'Septiembre 5' tienen que ver con asuntos de ética periodística (qué se debería transmitir y qué no), pero los guionistas tampoco están interesados en explorar nada de eso, ni tampoco en mostrar las consecuencias que tuvo la cobertura, ya que la película se centra en recrear fielmente lo que fueron 24 intensas horas de cobertura informativa.
'La sustancia' (Coralie Fargeat)
Coralie Fargeat se ganó a los fans del género con su ópera prima ('Revenge'), una película que ya deslumbraba en su apartado visual pero que no contaba con un guion demasiado elaborado. En 'La sustancia' se ha esforzado mucho más en el apartado narrativo, ya que ha empleado los resortes de la ciencia ficción para hablar sobre la dictadura de la belleza femenina. La película es cualquier cosa salvo sutil, ya desde su primera imagen: la estrella de la protagonista en el Paseo de la Fama siendo pisoteada y dañada por el paso del tiempo. Elisabeth Sparkle, la actriz a la que da vida Demi Moore, es en efecto una estrella en decadencia que está dispuesta a cualquier cosa para volver a su época de esplendor. El productor de su programa (que representa todo lo que está podrido en Hollywood y que solamente podía responder al nombre de Harvey) planea deshacerse de Elisabeth y encuentra a la sustituta perfecta en su nueva y rejuvenecida versión (Margaret Qualley). El mensaje de 'La sustancia' es obvio desde el principio y no tiene un gran desarrollo, pero eso nunca importa demasiado ya que Fargeat consigue encontrar el equilibrio perfecto entre la comedia y el cine de género, y la película se acaba convirtiendo en una montaña rusa que no deja de sorprender por su audacia a la hora de diseñar escenas cada vez más brutas. No deja de ser irónico que una película como esta, que realiza una crítica despiadada a Hollywood y a todo lo que representa, haya acabado siendo abrazada por los Oscar y participando en el juego de los premios.
Ganará: 'Anora'
Podría ganar: 'A Real Pain'
Debería ganar: 'The Brutalist'
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MEJOR GUION ADAPTADO
'Un completo desconocido' (Jay Cocks y James Mangold)
James Mangold comparte su segunda nominación como guionista (la primera fue por 'Logan') con el veterano Jay Cocks, previamente nominado por dos películas de Scorsese: 'La edad de la inocencia' y 'Gangs of New York'. Ambientada entre los años 1961 y 1965, 'Un completo desconocido' adapta el libro 'Dylan Goes Electric!: Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties'. No se trata por tanto de un 'biopic' al uso, sino del relato de los hechos que ocurrieron desde que el cantante llegó a Nueva York hasta que realizó su célebre actuación de Newport en la que fue abucheado por utilizar guitarras eléctricas. Aunque no ha sido un año muy potente en lo que se refiere a los guiones adaptados, la nominación de 'Un completo desconocido' en este apartado se siente muy barata, ya que las actuaciones musicales ocupan casi la mitad del metraje y Mangold decide pasar muy de puntillas por todo lo que no tiene nada que ver con la música. Las relaciones sentimentales de Dylan con Sylvie (Elle Fanning) y Joan Baez (Monica Barbaro) no están demasiado desarrolladas y las circunstancias políticas que rodean al protagonista tampoco parecen afectar demasiado a un hombre que es mostrado como alguien bastante impasible. Lo que más interesa a los guionistas es su relación de amor/odio con Pete Seeger (Edward Norton) y las continuas conversaciones que mantiene con otros músicos acerca de la música folk, su concepto y sus límites. Es probable que la película pueda resultar inspiradora para todos aquellos que, de alguna u otra manera, se dediquen al arte. Eso explicaría por qué 'Un completo desconocido' ha gustado tanto en los premios de la industria.
'Cónclave' (Peter Straughan)
Peter Straughan está especializado en la adaptación de 'bestsellers'. En la filmografía del británico se encuentran obras tan celebradas como 'El topo' (que le dio su única nominación al Oscar) o la miniserie 'Wolf Hall', pero también grandes fiascos como 'El jilguero' o 'El muñeco de nieve'. Cuando Straughan recogió el BAFTA el pasado fin de semana, agradeció a Thomas Harris por "su hermoso libro y por dejarnos convertirlo en 'Chicas malas'". Es una buena forma de resumir lo que el guionista ha hecho con este libreto que consigue convertir el proceso de elección de un Papa en un entretenimiento divertido y emocionante. La ironía estaba ya presente en la novela de Harris, que incluía momentos como cuando el cardenal Tremblay dice: "Somos tendencia en Internet", una frase que sirvió a Straughan para encontrar el tono de la película. Mientras que todos los elementos de la puesta en escena parecen estar tomándose la película muy en serio, el guion de Straughan no deja de aportar pequeños toques cómicos que acaban haciendo de 'Cónclave' algo mucho más ligero de lo que cabría esperar. La película dedica tiempo a describir cuidadosamente los procesos y procedimientos de la Iglesia en la actualidad, estableciendo un continuo contraste entre tradición y modernidad y usando ese microcosmos que es El Vaticano para hacer alegorías sobre el mundo exterior. También hay en 'Cónclave' una clara voluntad por sorprender al espectador con continuos giros de guion, incluso en los últimos minutos justo cuando todo parece haberse acabado.
'Emilia Pérez' (Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Léa Mysius y Nicolas Livecchi)
El director Jacques Audiard consigue su primera nominación como guionista (aspira a ganar hasta cuatro premios el 2 de marzo) de la mano de su habitual coguionista Thomas Bidegain, Nicolas Livecchi (con el que ya colaboró en 'París, Distrito 13') y un nuevo fichaje: Léa Myisus (directora de 'Los cinco diablos'). El guion de 'Emilia Pérez' es una conjunción de osadía y ausencia de vergüenza. En estos tiempos de corrección política extrema, escribir una película en español sobre un personaje transexual mexicano cuando eres un señor heteronormativo, blanco y francés es algo que poca gente se atrevería a hacer. El director tomó la idea del narcotraficante que se transforma en mujer del libro 'Écoute', escrito por su colega Boris Razon, pero cambió la motivación del personaje: Emilia Pérez no cambia de sexo porque quiera escapar de su vida criminal sino porque realmente siempre se ha sentido una mujer. Aunque la película estuvo muy cerca de ser una ópera, Audiard acabó apostando por el género musical para contar esta rocambolesca historia con un personaje central tan inverosímil que en todo momento coquetea (de manera plenamente consciente y sin ningún tipo de reparto) con el culebrón latinoamericano. 'Emilia Pérez' puede haber gustado mucho por otros motivos (de hecho, se ha quedado a una sola nominación del récord histórico), pero el guion es el apartado menos convincente y también el más controvertido, tanto por el tratamiento que hace de la transexualidad como por su caricaturesca representación de México.
'Nickel Boys' (RaMell Ross y Joslyn Barnes)
El dúo de guionistas detrás de 'Nickel Boys' ya estuvo previamente en los Oscar con el documental 'Hale County This Morning, This Evening', y tanto RaMell Ross como Joslyn Barnes están nominados también este año como productores de la película. En este caso han adaptado una de las novelas más celebradas de los últimos años: 'Los chicos de la Nickel', de Colson Whitehead (ganador del Premio Pulitzer tanto por esta obra como por 'El ferrocarril subterráneo'). 'Nickel Boys' relata la dura historia de Elwood, un chico afroamericano que tiene un futuro brillante por delante pero que, por culpa de un malentendido, acaba siendo encarcelado en la Academia Nickel, un terrible reformatorio en el que los jóvenes son sometidos a todo tipo de abusos. El relato se centra sobre todo en la época en la que Elwood está recluido en la Academia pero también incluye algunas escenas del protagonista en la actualidad, justo en el preciso momento en el que salen a la luz pública los horrores que escondía la Nickel (inspirada en un reformatorio que existió realmente durante más de un siglo en Florida). RaMell Ross tenía una historia poderosa entre manos pero también vio en este proyecto la oportunidad de lucirse como director. Tan fastuosa es su puesta en escena (con una fotografía en primera persona que sin duda merecía nominación), que el guion acaba pasando a un segundo plano. 'Nickel Boys' tiene una narrativa tan fragmentada que la película acaba asemejándose mucho a un documental (no en vano, el lugar del que procede Ross): una colección de escenas que de alguna manera consiguen que el espectador se ponga en el lugar de los protagonistas, aunque el verdadero horror siempre está 'en off'.
'Las vidas de Sing Sing' (Clint Bentley, Greg Kwedar, Clarence Maclin y John 'Divine G' Whitfield)
Uno de los datos más curiosos de esta edición de los Oscar es que se da la circunstancia de que un actor (Colman Domingo) está nominado por interpretar a alguien que también ha sido nominado este año (John 'Divine G' Whitfield). Whitfield y Clarence Maclin (que se interpreta a sí mismo en la película) tienen crédito como guionistas junto a los cineastas Clint Bentley y Greg Kwedar. Bentley y Kwedar forman una asociación similar a la de los Moriarti: los dos escriben juntos los guiones pero el trabajo de dirección va rotando. Su primera película ('Transpecos') fue firmada por Kwedar, la segunda ('Jockey') por Bentley y la tercera le ha vuelto a tocar a Kwedar. Los realizadores sienten una especialidad predilección por contar historias de conexión humana en lugares insospechados así que, cuando supieron de la existencia del denominado RTA (el programa de rehabilitación a través de las artes), tuvieron claro que ahí había una película. Partiendo del libro de no ficción 'The Sing Sing Follies', comenzaron a mantener reuniones con los integrantes de aquella pequeña compañía teatral que se fundó en 1996 en una cárcel neoyorquina. El guion sigue el esquema clásico de este tipo de historias: se empieza por el casting y se termina con la actuación final. La obra (una cosa loquísima titulada 'Breaking the Mommy's Code') es lo de menos y solamente se usa para proporcionar algunos alivios cómicos. Lo que realmente importa aquí es lo que significa esta iniciativa para los presos, que son interpretados en su gran mayoría por participantes reales del proyecto y que aportan sus propios testimonios ante la cámara. El resultado es un libreto que se siente muy real y que se consigue desmarcar de los habituales dramas carcelarios que ponen el énfasis en los aspectos más negativos de estar en prisión.
Ganará: 'Cónclave'
Podría ganar: 'Nickel Boys'
Debería ganar: 'Cónclave'
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